Étiquette : scènes

XIXème siècle. Soit une petite ville russe de province, loin de la capitale. Le gouverneur, le juge, le chef des écoles, le directeur de l’hôpital et celui des postes sont dans l’inquiétude : ils ont appris qu’allait arriver un révizor, un fonctionnaire impérial, incognito, chargé de d’examiner que la petite ville tourne bien. Or, tous ces braves fonctionnaires d’état s’en mettent plein les poches et le peuple grogne…

Arrive en ville un jeune homme, Ivan Alexandrovitch Khlestakov, un de ces nobles dispendieux accompagnés d’un serviteur fidèle que la littérature russe aime bien. Khlestakov n’a plus un sou, il est désespéré et voilà que la chance lui sourit… les notables le prennent pour le revizor, et tentent de le corrompre ! Le gouverneur va même l’inviter chez lui, où sa femme et sa fille ne resteront pas insensibles au charme petersbourgeois du jeune homme…

Le revizor est une comédie très grinçante, très acide, sur la comédie des apparences, la corruption, la gémellité… Une pièce un peu folle, dont nous avions vu il y a longtemps une très bonne représentation à la Comédie Française.

XXIème siècle : les Artpenteurs sont une troupe de théâtre de Suisse romande, intègre et talentueuse, qui aime se lancer dans les défis les plus fous. (comme monter un western sous petit chapiteau, ou arranger un spectacle de lecture de textes de SF). Là, associée avec le Petit théâtre de Lausanne (dont on ne louera pas assez le bon goût de la programmation), ils ont eu l’idée dingue de monter cette comédie pour des enfants. En condensant l’intrigue sur 1h15, avec des danses et des chansons (en russe) ! Nous y avons emmenés Rosa et Marguerite, assises au premier rang avec d’autres enfants, et elles ont tout saisi et tout compris. Les magouilles, l’argent qu’on échange, les illusions et les espoirs déçus.

Pour réussir ce pari, les comédiens, accompagnés par la metteuse en scène Evelyne Castellino, on joué sur une condensation du texte, un jeu hyper physique, tout en énergie et en image, et des personnages identifiés par des masques, très réussis. Le spectacle est un tourbillon d’élans, d’idées, de situations qui se percutent. Il y a des gags tout le temps, du premier au dernier plan, et toute l’intrigue passe, à travers le mouvement et l’humour.

Une très très grande réussite, qui nous a laissés enthousiastes, et essoufflés. 

Une nouvelle date a été programmée à Lausanne le 16 novembre. Foncez, si vous pouvez !

 

Ce fut notre première visite au fameux théâtre des Bouffes du Nord. Une salle magnifique, entre romantisme et post-apo, qui dont les peintures (faussement ?) écaillées et les teintes ocres n’auraient pas déparé à Yirminadingrad.

The Valley of Astonishment est une « recherche théâtrale » menée par Peter Brook et Marie-Hélène Estienne – et notre premier spectacle de Brook. Cette pièce jouée en anglais met en scène médecins et patients atteints d’anomalies neurologiques (une mémoire prodigieuse, synesthésie avancée, ou bien une absence de proprioception), avec notamment le personnage de Sammy Costas, « femme au nom d’homme » qui voit sa mémoire inifnie envahie de nombres après s’être trop produite sur une scène de music-hall.

Théâtralement, c’est impeccable, conforme au dogme K. (sur lequel je reviendrai un jour) : les acteurs jouent juste, jonglent avec les personnages, leurs voix, leur corps. Kathryn Hunter est formidable, les autres sont très bien, il y a de la musique sur scène, très réussie. Grâce et émotion, la classe.

Cecci a par contre été embêtée de découvrir qu’une grande partie du texte venait du livre « une prodigieuse mémoire », du grand neuropsychologue russe Alexandre Luria, le personnage de Sammy étant décalqué de celui de Solomon Shereshevsky. Les plus beaux passages de la pièce (l’oeuf blanc sur le mur blanc, le passage tiré de Dante…) étant extraits texto du livre de Luria, qui n’est mentionné nulle part ni sur le programme, ni sur le site Internet du théâtre. 

Rien de complètement étonnant à tout cela, Peter Brook s’intéressant depuis longtemps au travail de Luria (il a monté une adaptation du livre susmentionné en 1998). Reste à comprendre comment cette pièce s’insère dans le travail de Peter Brook…

Avec Cecci, Rosa et Marguerite nous sommes allés voir ce spectacle « jeune public » au Montfort théâtre, suite à la bonne surprise d’Infinita.

Tête haute est une sorte de conte de fées décalé, avec de nombreuses inventions verbales, du théâtre d’ombre technologique, des projections, du jeu avec des caméras. 

Nous avons détesté.

Pour les inventions verbales, n’est pas Claude Ponti qui veut. Le jeu de projections ressemblait à un gimmick idiot, les quelques trouvailles techniques ne voulaient rien dire, c’était globalement incompréhensible, grimaçant, sinistre, sans queue ni tête. Cerise sur le gâteau, l’idée de déclencher des effets stroboscopiques dans une salle très obscure pleine de petits gamins. A fuir.

Pour la première fois depuis des mois, nous revoici au théâtre, le Montfort, que nous découvrons avec plaisir !

Au fond de la scène, un écran, une projection (encore !) nous montre un enterrement. Puis les personnages entrent en scène, un vieil homme en fauteuil roulant poussé par une grande femme, venu déposer une rose dans une tombe figurée par un carré de lumière… Ca ne va pas être gai.

La famille Flöz est un groupe de quatre clowns allemands travaillant avec des masques. D’étranges figures, des visages à la fois caricaturaux et vrais. Les masques provoquent un sentiment de décalage troublant, d’uncanny valley, qui m’a presque effrayé pendant la première partie du spectacle. Les Flöz nous rappellent que les masques sont étranges et choquent et font peur.

D’autant que les premiers tableaux déroulent un récit pas franchement agréable : un vieil homme, abandonné dans une maison de retraite par l’amour de sa vie, se rappelle des épisodes cruels de sa vie récente (avec les autres pensionnaires, tous des hommes, de son établissement) et d’autres, tout aussi cruels, de son enfance.

Puis le récit se délite, les relations entre les personnages s’épaississent, on part dans l’étrange, l’incongru, jusqu’à un délire jouissif et libérateur. Les dernières scènes, l’ascension finale, sont des merveilles.

J’admire le talent et la technique de ces quatre Flöz. Leur travail me rappelle celui des Artpenteurs, dans leurs pièces masquées (Tartuffe, Peer Gynt, Pinocchio…), ou celui de l’extraordinaire troupe du Piccolo Teatro di Milano pour la commedia dell’arte. Ils restent avant tout des clowns, reconstituant derrière leurs masques les éléments de notre comportement humain, créant des personnages caricaturaux et parfaitement vrais.

Le plus étonnant est de voir ces acteurs incroyablement physiques jouer des impotents : vieillards, enfants, et même un bébé, les connaisseurs (en bébés) apprécieront. Ils incarnent par des petits gestes, des choses minuscules, ce qui fait notre humanité.

Du grand art.

Nous avions manqué ces deux dernières années les spectacles du marionnettiste chinois Yeung Faï à Vidy. Cette fois-ci, nous avons su saisir l’occasion.

Installé dans la petite salle du théâtre, le spectacle met en scène une enfant, fille de paysans, partant pour la ville travailler jusqu’à l’épuisement dans une usine textile à fabriquer des blue-jeans. L’intrigue ne comprend rien de plus, pas de tournants ni de rebondissements, mais l’originalité du travail de Yeung Faï n’est pas là. Le spectacle se veut une sorte de documentaire à charge, monté avec un mélange de techniques étonnants : acteurs réels, projections, marionnettes, extraits de reportages, interviews… tout cela utilisé pour fabriquer des images et des impressions d’une grande force. Là où un reportage, par la mise en scène de cas particuliers et différents, aurait tenu le spectateur à distance, l’utilisation de cette famille archétypale et de cette enfant/marionnette saisit le spectateur droit au coeur, rendant certaines scènes presque insupportables de douleur. L’art et la beauté sont mis au service d’un discours très dur.

La construction de l’ensemble n’est pas parfaite. Si certaines scènes sont des évocations d’une grande puissance (la ferme, au début et à la fin, le patron de l’usine…) d’autres sont plus lourdes et didactiques, utilisant parfois un excès de prouesse pour un discours somme toute assez simple. Ces petites réserves mises à part, on a là un spectacle offrant un traitement très original, assorti d’une maîtrise technique irréprochable.

 

Photos (c) Mario Del Curto