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Un thème un peu absurde (c’est quoi, la question ?) pour un acte un peu absurde également: traverser 24 heures en faisant des lectures à voix haute dans un petit village. Un acte gratuit, inutile, pour la beauté du geste.

On a lu Fatou Diome, Julien Gracq, des contes animaliers, une histoire de poule volante, Douglas Adams…

Il y a eu du slam au caveau. Des bruits du métro. Puis La Boétie. Et des extraits de Stevenson, des chroniques polynésiennes… puis des récits obscurs et douloureux lus dans l’obscurité de La Chapelle Saint Michel. Et le golem, et Christian Bobin (en musique, à la

bougie, dans la tout de l’horloge !), et Céline, et les poèmes de Vinceannet, et Laszlo Krasznahorkai, Nick Hornby, Hélène Merlin-Kajman, et B. Traven et Francis Ponge tout au bout de la nuit. Au petit matin, après un petit déjeuner au coin du feu, on a lu encore : Dostoievski, et Olivier Sillig. Puis Jean-Paul Didierlaurent avant de terminer sur la horde du Contrevent et des contes pour enfants. Il pleuvait ces jours là, mais on était bien.  

 

À l’année prochaine ! 

http://24heures.romainmotier.ch

 

Tous les deux ans, le Clédar, troupe amateur de la vallée de Joux, monte un grand spectacle d’été, usuellement dans un lieu insolite de la vallée horlogère. Cette année, c’est le Grand Hôtel, une bâtisse de luxe 1900 avec une vue splendide sur le lac, maintenant inutilisée, qui accueille les nombreuses représentations du Lysistrata d’Aristophane.

La pièce est une des plus connues du dramaturge antique et l’argument, très amusant, lui a voulu d’être souvent adaptée au XXème siècle: menées par Lysistrata, une rusée grande gueule, les femmes de Grèce décident de faire la grève du sexe pour forcer leurs maris à faire la paix ! (pour un résumé détaillé de l’intrigue, voir par exemple cet article du Temps, bien détaillé).

La troupe du Clédar a fait un travail extraordinaire, proposant une de nos meilleures soirées théâtrales depuis longtemps. Les acteurs sont en place, le texte bourré d’allusions, de blagues et de jeux de mots salaces, les situations montent en puissance, les virilités se tendent, les révolutionnaires bouillonnent, tout le monde frémit et trépigne pour débloquer une situation absurde: la paix comme prix de l’amour.

Lysistrata est une pièce politique, subversive, où les puissants en prennent plein la figure, et les hommes, et les soldats, et les politiciens, et les vieillards. On y parle de c* en permanence et le désir y tend vers l’utopie. Ce n’est pas convenable et c’est follement drôle: d’autant que la mise en scène, bourrée d’idées, ose tout, à le mesure du texte. Ce qui est dit crûment est montré crûment, sans aucun malaise, sans aucune vulgarité, grâce à un magnifique travail sur les costumes, les postures, les attitudes (mais nous ne recommandons pas la pièce pour les moins de seize ans !). J’ai déjà dit dans ces pages que voir un homme nu sur scène est pour moi le point Godwin du théâtre, le point au bout duquel une mise en scène est irrécupérable, et si l’homme est un vieillard, c’est encore pire. Et là, à sa façon, cette pièce prouve que j’avais tort. Ce qu’on voit est très obscène, très transgressif mais surtout libérateur. Le Clédar étant une troupe locale, j’imagine qu’en tant qu’acteur, se montrer dans ces situations à des spectateurs qui nous connaissent peut-être par ailleurs est un geste tout autant courageux que jouissif.

Encore un mot sur la mise en scène: elle est signée Thierry Crozat, des Artpeuteurs, avec une participation musicale (pour le travail sur les chansons) de Chantal Bianchi, des mêmes. Cette pièce et ce travail sont tout à fait dans l’axe du travail de leur compagnie: un théâtre populaire, inventif, de très grande qualité (avec du jeu corporel, des artefacts, de chansons, dans la lignée des meilleures pièces des Artpenteurs). Si on compare à une autre pièce vue l’an dernier, mettant aussi en scène des amateurs, vue dans le cadre d’un théâtre bien plus officiel (et riche !), la comparaison fait mal à la culture officielle.

Et je n’ai encore rien dit du travail de la langue (la façon de parler des Spartiates !), de la scénographie, des décors, de toute la technique, qui sont de très bon niveau. Bref, c’est un travail remarquable et j’aimerais en dire plus et vous en raconter plus, mais je ne le ferai pas, pour ne pas gâcher le plaisir.

Je me suis dépêché d’écrire ce billet car il reste des places et la pièce se joue encore deux semaines. Je ne pense pas qu’elle sera reprise. Alors, si vous pouvez, courrez-y !

Salut
à toi la plus virile de toutes les femmes! C’est le moment d’être
bienveillante et méchante, tendre et teigneuse, tolérante et
intransigeante, bref: expérimentée. A toi de jouer! 

Lors d’un séjour à Londres, nous sommes allés voir notre première comédie musicale. Bien sûr, nous sommes relativement familiers du genre via le cinéma, mais nous n’avions jamais eu l’occasion d’en voir sur scène. C’est chose faite.

Notre choix s’est porté sur Fantastic Mr Fox, parce que nous sortions avec les enfants, qu’elles connaissaient l’histoire et que ça ne se jouait pas très loin du lieu où nous logions. Je me permets de rappeler l’histoire, pour ceux de mes lecteurs qui ne font pas partie des fans de l’immense Roald Dahl : trois gros fermiers picoleurs, sales et vulgaires élèvent des poules et des canards. Mr Fox défie régulièrement leurs défenses et vole chez eux de quoi nourrir sa famille. Mais un jour, les fermiers lui tendent un piège, repèrent sa cachette et attaquent la colline à la pelleteuse. Il n’y a plus qu’une seule solution pour les animaux traqués, « Dig for your life ! », jusqu’à une fin bizarre et heureuse comme seule pouvait la concevoir le Willy Wonka des livres pour enfants.

J’avais bien sûr en tête la très curieuse adaptation de l’histoire par Wes Anderson. On est ici dans une version bien plus fidèle au récit d’origine, malgré quelques créations de personnages et ajouts narratifs amusants. La comédie musicale de ce type est un équivalent pour le spectacle vivant du film hollywoodien pour le cinéma en général. Plein de pognon, des acteurs énergiques qui savent tout faire (jouer, chanter, danser) et des décors énormes et compliqués. Certes, c’est très formaté (narration très codifiée, dialogues avec blagues pour les adultes, personnages de faire-valoir un peu absurdes, etc.), mais quand c’est bien fait, ça donne un spectacle très agréable, ce qui a été le cas pour nous. On a admiré la pêche des acteurs, profité de la musique live sur scène, rigolé aux costumes et aux scènes d’actions burlesques et profité de chansons plutôt bien écrites. Détail rigolo, le spectacle adopte tous les codes du film de casse, ce qui dynamise bien la narration.

Le scénario, bien fait, fait de Fox un trentenaire qui se remet en questions (un peu comme chez Wes Anderson, en moins approfondi), les personnages de sa famille sont très bien posés. Et les adaptateurs se sont créés deux moments de grâce, un dans chaque acte. Dans le premier, la scène du « casse raté » complètement délirante. Et dans le second, la scène dansée et chantée où les fermiers essaient de se transformer en renard, qui emmène le spectacle dans une direction surprenante.

Et le Lyric est une jolie salle, au personnel charmant.

Bref, une belle sortie londonienne.

Je savais que des pièces de théâtre de science-fiction existaient, mais je n’en avais jamais vues. M.O.I., monté par la compagnie Freckles, est une pièce de Sophie Pasquet Racine, auteure dramatique et actrice. 

 

Dans une cave, un abri anti-atomique (?), débarque une femme un peu perdue, qui tombe sur un homme intimidant et menaçant. On est un dans un futur post-cataclysmique, beaucoup sont morts, les eaux montent, le M.O.I a été mis en place pour réguler la vie des survivants.

La pièce prend la forme d’un interrogatoire, celui de la femme qui ne peut se résoudre à repartir, par l’homme qui veut connaître son secret. 

M.O.I. est une pièce à mystères, dont certaines clefs seront livrées. Il y sera question de doubles, d’identité, de sociétés oppressantes, de menaces, d’images, d’écritures. Elle n’est jamais théorique,  jamais allégorique, toujours incarnée. Ce n’est pas de la S.F. pour profs de français « qui veut dire que… » et « qui représente… ». Si on trouvera dans les motifs poétiques de la pièce des échos de situations contemporaines (oppressions policières, migrants noyés, relation aux choses, amours perdues…), les personnages ne représentent avant tout qu’eux-mêmes. 

 

 

 

M.O.I. ressort clairement de la science-fiction, dans le sens où c’est un récit qui ne pourrait pas fonctionner sans son élément science-fictif. De la S.F., elle reprend les principes de déstabilisation, de quête du sens, d’interrogation. Où sommes-nous ? Que s’est-il passé ? Qui sont ces gens ? Nous ne saurons pas tout, mais nous en saurons assez pour les comprendre, et peut-être pour les aimer. Le décalage et le mystère reposent avant tout sur la langue, l’expression des personnages, cette étrange infusion de vocabulaire venu de la danse (du tango) pour dire le destin des hommes. Pourquoi dit-on « danser » pour dire « mourir »? Pourquoi le cataclysme s’appelle-t-il « le Grand Amour »? Pourquoi la femme ne dit-elle jamais « je »?  

 

Les acteurs (Sophie Pasquet Racine et Pierric Tenthorey, tous les deux remarquables), sont soutenus par une mise en scène de plus en plus inventive comme la pièce avance, jouant sur les lumières et les ombres, les transparences et les opacités. Quelques projections très habiles, une séquence complètement folle utilisant du film d’animation, une inclusion de plus en plus forte de la musique construisent l’univers de cette histoire, jusqu’à une scène finale qui m’a bouleversé.

 

J’ai beaucoup aimé. On se place dans la suite d’une science-fiction politique, poétique et créative, dans la lignée d’Antoine Volodine, ou des oeuvres de Léo Henry et Jacques Mucchielli. Je n’aurais pas été surpris d’entendre parler de Yirminadingrad.

La pièce peut être vue à la date de publication de ce billet à Yverdon, puis en mai à Lausanne au théâtre 2.21. Allez-y !

Photos (c) Carole Parodi / Freckles

 

 

Dans un musée d’histoire naturelle abandonné, quelque chose bouge au milieu des animaux empaillés. Des silhouettes blanches, prenant des attributs animaux (crinière de lion, cornes de gazelle, crête de la hyène…) qui viennent nous jouer, ou plutôt nous chanter cette histoire: comment le lion, trouvant usant l’exercice du pouvoir, décide de convoquer les animaux de la savane pour qu’ils élisent leur nouveau souverain, en bons zoocrates.

Ce sera sans compter sur les manigances de la hyène et celles du marabout qui exerçait le pouvoir en coulisse…

Les zoocrates est un opéra pour enfants, genre carrément bizarre quand on y pense. L’opéra (je ne parle pas de la comédie musicale) est une des formes les plus lourdes et compliquées qui soit : décors comme au théâtre, plus musique orchestrale, plus chant lyrique (sans micros évidemment), plus costumes et jeu d’acteur. 

Le spectacle que nous avons vu est tout à fait convainquant : léger, rigolo, enlevé, mené par Andrei Feher, un chef d’orchestre très en forme (que nous avons vu faire des grimaces pour soutenir les acteurs – oui, nous avions la chance d’être installés juste au-dessus de la fosse !). Le texte est amusant, les acteurs/chanteurs très bons avec une mention spéciale pour la hyène. Seule la mise en scène un peu plan-plan était un peu en dessous du reste, mais c’est faire la fine bouche. Et derrière un traitement très fantaisiste et enfantin, l’auditeur attentif pouvait trouver un sous-texte politique ou sexuel (ne fuyez pas, parents sages d’enfants sages, c’est bien caché, « comprend qui peut » !) carrément drôle.

Nous avons eu de plus la chance d’assister au musée de zoologie de Lausanne, une heure avant le spectacle, à une petite présentation sur la conservation animale et sur la construction du spectacle en collaboration avec le musée. Tout ça animé par des passionnés. Une excellente initiative ! Bienvenue en zoocratie !

Photos (c) M. Vanappelghem

il reste encore deux dates, les 3 et 5 mai.

Parler de ce spectacle nécessite un peu de mise en contexte.

Voici comment le théâtre de Vidy le présente :

Massimo Furlan a proposé à la municipalité de La Bastide-Clairence, bourgade du pays basque, d’annoncer l’ouverture d’un centre d’hébergement de migrants en vue de régler le problème des loyers trop élevés dans le village. Ce qui devait être une fiction est devenu réalité.

La lecture du livret nous renseigne un peu plus : un artiste (M. Furlan, donc), monte une « farce » annonçant l’ouverture d’un centre d’hébergement pour migrants dans ce joli village historique. Finalement, après 2015, une association se forme dans le village qui se bouge pour accueillir réellement des migrants sur place, et une famille syrienne est maintenant logée dans le village, l’association faisant de gros efforts pour son intégration. Nous comprenons que le spectacle va nous parler de cette histoire et que les personnes sur scène seront des habitants de la Bastide-Clairence.

Cette histoire me touche naturellement beaucoup, parce qu’elle fait écho à des choses que nous avons vécues dans notre joli petit village historique au pied du jura suisse. Le fait de transformer une expérience politique collective en expérience théâtrale nous parle également: nous avions beaucoup aimé le travail fait par l’ARAVOH dans notre région.

Le spectacle, maintenant.

Dans une première partie, les neuf intervenants, des habitants du village, disent chacun un texte qu’ils ont écrit, face public. Les textes parlent de leur histoire, leur travail, leurs racines, ce qui les lie au lieu. Ces gens sont très beaux, qui parlent courageusement d’eux-mêmes, de leurs histoires: la championne du monde du Fandango, comment on fait une carrière de maire, les migrations des Portugais dans les années 70, la vie dans une famille avec un enfant handicapé, l’éducation pour une fille de paysans basques très pauvres, la twingo rose du grand-père…

C’est beau parce que les gens sont justes, parce qu’ils font apparaître par leurs récits le monde dans lequel ils vivent.

Au bout d’un moment, les récits évoquent (brièvement) l’accueil de la famille syrienne. Les acteurs prennent alors un moment pour échanger avec le public (échange tout à fait artificiel, je n’ai jamais vu ce procédé fonctionner) avant de reprendre leurs discours alternés, moins pour parler d’eux-même que pour évoquer, de manière plus théorique, l’hospitalité et l’accueil de l’autre.

J’ai beaucoup de respect pour les habitants du village qui sont montés sur scène, ont fait un beau travail sur eux-mêmes et évoqué des choses fortes de leurs parcours et de leur vie. Je suis aussi touché par leur engagement local, dont on comprend bien qu’il est aussi un engagement ensemble. Les textes sont bien, l’action est juste, mais cela suffit-il à faire un spectacle ? Je suis ressorti tout chargé d’émotions. Parmi ces émotions, la colère et un vrai malaise.

De « l’intox » (moralement douteuse) sur l’accueil d’un centre de requérants dans le village et de la discussion sur les prix de l’immobilier, il n’a jamais été question. Du « comment » de l’accueil, des discussions sur les conditions matérielles de ce dernier, il n’a jamais été question. C’est dommage parce que c’est à ce moment que les questions politiques (au sens noble : comment agir ensemble, pour nous, pour eux, pour la communauté) auraient pu être évoquées. Je n’ai pas compris à quoi servait ce spectacle : à transmettre une expérience politique ? A évoquer l’accueil des migrants devant un public méfiant ? Mais le public était entièrement acquis, la réflexion politique était absente, rien ne fâchait, rien ne gênait. Le seul personnage en opposition était un « faux » personnage, incarné sur scène par le metteur en scène (ce simple artifice est d’ailleurs assez moche).

D’un point de vue théâtral, l’ensemble était très pauvre. Quelques trucs faciles, une scénographie minimale. D’un point de vue écriture, si les textes ont été travaillés, ils ne construisaient rien ensemble et restaient tout du long juxtaposés.

J’ai l’impression gênante d’avoir vu un spectacle construit en sélectionnant des habitants d’un lieu intéressant et en utilisant leur vie et leur expérience comme matière, pour gagner facilement l’adhésion du spectateur par un jeu d’empathie facile, le tout sans aucun questionnement moral. Comme si tout geste, parce qu’il est « artistique », n’avait plus besoin d’aucune justification.

Quelles sont les conditions permettant la naissance d’un objet pareil, aussi mal fichu, aussi peu honnête ? Quelles politiques culturelles permettent cela ? Quels jeux sociaux d’auto-réconfort, d’aimables justifications ? On l’aura compris, les interrogations suscitées par ce spectacle sont très loin de l’hospitalité et de l’accueil des migrants.