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Dans un musée d’histoire naturelle abandonné, quelque chose bouge au milieu des animaux empaillés. Des silhouettes blanches, prenant des attributs animaux (crinière de lion, cornes de gazelle, crête de la hyène…) qui viennent nous jouer, ou plutôt nous chanter cette histoire: comment le lion, trouvant usant l’exercice du pouvoir, décide de convoquer les animaux de la savane pour qu’ils élisent leur nouveau souverain, en bons zoocrates.

Ce sera sans compter sur les manigances de la hyène et celles du marabout qui exerçait le pouvoir en coulisse…

Les zoocrates est un opéra pour enfants, genre carrément bizarre quand on y pense. L’opéra (je ne parle pas de la comédie musicale) est une des formes les plus lourdes et compliquées qui soit : décors comme au théâtre, plus musique orchestrale, plus chant lyrique (sans micros évidemment), plus costumes et jeu d’acteur. 

Le spectacle que nous avons vu est tout à fait convainquant : léger, rigolo, enlevé, mené par Andrei Feher, un chef d’orchestre très en forme (que nous avons vu faire des grimaces pour soutenir les acteurs – oui, nous avions la chance d’être installés juste au-dessus de la fosse !). Le texte est amusant, les acteurs/chanteurs très bons avec une mention spéciale pour la hyène. Seule la mise en scène un peu plan-plan était un peu en dessous du reste, mais c’est faire la fine bouche. Et derrière un traitement très fantaisiste et enfantin, l’auditeur attentif pouvait trouver un sous-texte politique ou sexuel (ne fuyez pas, parents sages d’enfants sages, c’est bien caché, « comprend qui peut » !) carrément drôle.

Nous avons eu de plus la chance d’assister au musée de zoologie de Lausanne, une heure avant le spectacle, à une petite présentation sur la conservation animale et sur la construction du spectacle en collaboration avec le musée. Tout ça animé par des passionnés. Une excellente initiative ! Bienvenue en zoocratie !

Photos (c) M. Vanappelghem

il reste encore deux dates, les 3 et 5 mai.

Parler de ce spectacle nécessite un peu de mise en contexte.

Voici comment le théâtre de Vidy le présente :

La lecture du livret nous renseigne un peu plus : un artiste (M. Furlan, donc), monte une « farce » annonçant l’ouverture d’un centre d’hébergement pour migrants dans ce joli village historique. Finalement, après 2015, une association se forme dans le village qui se bouge pour accueillir réellement des migrants sur place, et une famille syrienne est maintenant logée dans le village, l’association faisant de gros efforts pour son intégration. Nous comprenons que le spectacle va nous parler de cette histoire et que les personnes sur scène seront des habitants de la Bastide-Clairence.

Cette histoire me touche naturellement beaucoup, parce qu’elle fait écho à des choses que nous avons vécues dans notre joli petit village historique au pied du jura suisse. Le fait de transformer une expérience politique collective en expérience théâtrale nous parle également: nous avions beaucoup aimé le travail fait par l’ARAVOH dans notre région.

Le spectacle, maintenant.

Dans une première partie, les neuf intervenants, des habitants du village, disent chacun un texte qu’ils ont écrit, face public. Les textes parlent de leur histoire, leur travail, leurs racines, ce qui les lie au lieu. Ces gens sont très beaux, qui parlent courageusement d’eux-mêmes, de leurs histoires: la championne du monde du Fandango, comment on fait une carrière de maire, les migrations des Portugais dans les années 70, la vie dans une famille avec un enfant handicapé, l’éducation pour une fille de paysans basques très pauvres, la twingo rose du grand-père…

C’est beau parce que les gens sont justes, parce qu’ils font apparaître par leurs récits le monde dans lequel ils vivent.

Au bout d’un moment, les récits évoquent (brièvement) l’accueil de la famille syrienne. Les acteurs prennent alors un moment pour échanger avec le public (échange tout à fait artificiel, je n’ai jamais vu ce procédé fonctionner) avant de reprendre leurs discours alternés, moins pour parler d’eux-même que pour évoquer, de manière plus théorique, l’hospitalité et l’accueil de l’autre.

J’ai beaucoup de respect pour les habitants du village qui sont montés sur scène, ont fait un beau travail sur eux-mêmes et évoqué des choses fortes de leurs parcours et de leur vie. Je suis aussi touché par leur engagement local, dont on comprend bien qu’il est aussi un engagement ensemble. Les textes sont bien, l’action est juste, mais cela suffit-il à faire un spectacle ? Je suis ressorti tout chargé d’émotions. Parmi ces émotions, la colère et un vrai malaise.

De « l’intox » (moralement douteuse) sur l’accueil d’un centre de requérants dans le village et de la discussion sur les prix de l’immobilier, il n’a jamais été question. Du « comment » de l’accueil, des discussions sur les conditions matérielles de ce dernier, il n’a jamais été question. C’est dommage parce que c’est à ce moment que les questions politiques (au sens noble : comment agir ensemble, pour nous, pour eux, pour la communauté) auraient pu être évoquées. Je n’ai pas compris à quoi servait ce spectacle : à transmettre une expérience politique ? A évoquer l’accueil des migrants devant un public méfiant ? Mais le public était entièrement acquis, la réflexion politique était absente, rien ne fâchait, rien ne gênait. Le seul personnage en opposition était un « faux » personnage, incarné sur scène par le metteur en scène (ce simple artifice est d’ailleurs assez moche).

D’un point de vue théâtral, l’ensemble était très pauvre. Quelques trucs faciles, une scénographie minimale. D’un point de vue écriture, si les textes ont été travaillés, ils ne construisaient rien ensemble et restaient tout du long juxtaposés.

J’ai l’impression gênante d’avoir vu un spectacle construit en sélectionnant des habitants d’un lieu intéressant et en utilisant leur vie et leur expérience comme matière, pour gagner facilement l’adhésion du spectateur par un jeu d’empathie facile, le tout sans aucun questionnement moral. Comme si tout geste, parce qu’il est « artistique », n’avait plus besoin d’aucune justification.

Quelles sont les conditions permettant la naissance d’un objet pareil, aussi mal fichu, aussi peu honnête ? Quelles politiques culturelles permettent cela ? Quels jeux sociaux d’auto-réconfort, d’aimables justifications ? On l’aura compris, les interrogations suscitées par ce spectacle sont très loin de l’hospitalité et de l’accueil des migrants.

C’est une expérience inédite pour nous que de voir deux fois la même pièce de théâtre — dans des mises en scènes différentes ! — en moins de un an. Cet été, nous avions pu admirer la troupe japonaise Chiten dans une présentation très incarnée et intériorisée de la pièce de Tchékov. Quelques mois plus tard, après une résidence au théâtre de Vidy, c’est Thomas Ostermeier qui présente la pièce, en français s’il vous plaît.

On retrouve donc Kostia Treplev, fils de la fameuse actrice Irina Arkadina, qui cuve sa dépression à la campagne et tente de monter une pièce expérimentale devant sa mère et sa cour. Le texte français utilisé par Ostermeier est moderne, et si la pièce n’est pas déconstruite, comme par les Japonais, on la sent fortement entrelardée de considérations contemporaines, dont un hilarant passage sur le théâtre moderne où Ostermeier semble se moquer de tout ce qu’il va faire (ou ne pas faire) ensuite… Ces insertions m’ont fait un peu peur, mais j’avais été déstabilisé de la même façon par le début très 70s de son ennemi du peuple, alors j’ai pris sur moi, d’autant que le texte français est habile et rythmé (il est dû à Olivier Cadiot)

« La Mouette est une comédie avec trois rôles de femmes et six rôles d’hommes. Quatre actes, un paysage (vue sur un lac), beaucoup de discours sur la littérature, peu d’action, tout mon poids d’amour. » (Tchekov) 

Dans la mise en scène de Kostia, Nina en vierge sacrificielle déclame un texte de métaphysique-animiste bizarre, Kostia passe de l’électro à fond, poignarde un cadavre de bouc et s’asperge de sang les bras en croix, ça dépote, et Irina éclate d’un rire moqueur. Pendant les deux heures qui vont suivre, on va accompagner les plaisanteries, le mal-être de ces personnages en vacances au bord du lac, on va assister à leur hésitations et leurs compromissions, sans jamais cesser de les aimer et d’avoir peur, et de nous désoler pour eux. Les acteurs, pour la plupart déjà vus dans les Revenants, sont tous bons, tous brûlants, avec un très beau jeu de corps, de postures, de visages.

D’un point de vue de mise en scène, Ostermeier a adopté une sorte de tréteau façon Commedia Dell’Arte, au bord duquel les acteurs hors scène attendent leur tour. Sur cet espace apparaissent, de façon toute imaginaire, la terrasse, la plage, le salon, la chambre de Trigorine. Tout est impeccablement réglé, jusqu’aus superbes scènes de neige du finale.

La mouette selon Ostermeier est une expérience théâtrale puissante, qui secoue l’âme et noue les entrailles. Il n’y est question que d’art et d’amour. En quittant la salle, je me sentais plus humain.