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J’étais persuadé sans en avoir jamais vus que je n’aimais pas les films de Lelouch. Puis, cet hiver, on a regardé un homme et une femme, et on a eu la curiosité d’en regarder un autre.

Itinéraire a d’abord pour lui un pitch vraiment très improbable. « Alors, tu vois, le héros s’appelle Sam Lion, il a été abandonné dans un manège quand il avait trois ans, a grandi dans un cirque, est devenu balayeur puis patron multimilionaire d’une société qui vend des sanicrottes ». Déjà, WTF.

Et déjà, cet aspect là est cool : on va voir un film qui raconte une histoire, entre le conte de fées, Starmania, un spectacle de cirque et la vibe de la crise et de l’entrepreneuriat des années 80. Et c’est une vraie histoire, avec un univers personnel, très graphique, très visuel et très cinématographique, plein de couleurs et d’idées et, disons le, pas trop trop réaliste, mais on s’en fout.

Ensuite, Lelouch aime le cinéma et il fait du cinéma. Cette histoire de ce vieux type qui a tout connu et tout vécu et qui tente d’échapper à sa propre vie ne peut être qu’une histoire de cinéma. Par les décors, le rythme, l’élan musical, la manière dont ça s’enchaîne et dont ça danse… Cecci et moi étions fatigués le soir où on a commencé à regarder, du genre allez, on regarde une heure, et la suite demain. Moralité, on s’est couchés à minuit, ce qui, dans notre cas, est un acte assez punk.

Alors, oui, c’est exaspérant de voir Belmondo jouer ce personnage autour duquel tout tourne, qui est le centre et le moteur du monde. Mais, en même temps, c’est un peu le propos du film (voir le générique, où les personnages n’apparaissent pas par leur nom, mais par leur relation à Sam) et c’est un propos intéressant, un portrait un peu distancié d’un mec qui se perçoit en centre du monde (=Lelouch ? =Belmondo ?) qui est l’animateur de l’histoire, celui qui dirige tous les personnages (ce ne serait pas un réalisateur ?) . Le film montre les images, le récit, mais ne force pas l’interprétation, et ça s’est bien aussi.

Et Anconina est très bien, en clone et grouillot.

Bon, à part ça, le test de Bechdel ne passe pas. Les personnages féminins ne sont que ça, « des femmes ». La fille de Sam n’est pas publiée grâce à son talent mais grâce à l’entregent de papa et elle ne rêve que de papa. Un cauchemar de relation de parentalité, selon moi, mais d’une certaine manière cette relation malaisante abonde aux discours du film.

Donc je ne sais pas si j’aime tout là-dedans, mais c’est un film intéressant et surtout, c’est du cinéma. (la veille on avait tenté de regarder une série netflix et le manque de densité narrative associée au manque d’intérêt de l’image nous ont fait décrocher très vite, de bleu, c’était de la soupe et de la soupe pas très dense).

En cherchant des trucs sur le film, je suis tombé sur cet article que je colle là-dessous parce qu’il contient des idées qui m’intéresse et que je suis, en gros, d’accord avec lui. (et ça me permet de tester cette fonction d’insertion de lien de wordpress)

ITINÉRAIRE D’UN ENFANT GÂTÉ

On avait vu Fantastic Mr Fox il y a douze ans et Isle of Dogs à sa sortie. Marguerite ayant développé une passion pour le cinéma d’animation, elle et moi avons regardé les deux ces derniers mois. Plutôt que de réécrire un billet sur des trucs que j’ai déjà chroniqués plus tôt (oui, c’est ma vibe rétro, je revois et rechronique des trucs, ça doit être ça de vieillir), je vais parler des deux films côte à côte car ma perception des deux a évolué.
Celleusses interessé.e.s par la formation du goût cinéphilique (comment et pourquoi est-ce qu’on « aime » un film ?) se reporteront à l’excellent épisode de Une invention sans avenir consacré à ce sujet.

Dans les deux cas, donc, ce sont des films d’animation de Wes Anderson mettant en scène des animaux. Ca veut dire des films mis en scène avec des boîtes dans des boîtes, des personnages qui parlent face caméra en gros plan, une perception détachée et caustique de l’histoire, une attention maniaco maniaque à la construction du décor et de l’univers… (si vous n’aimez pas ce délire, passez votre chemin)

Marguerite a trouvé Isle of Dogs étrange parce qu’elle n’est jamais parvenue à entrer dans l’histoire, à y accrocher, à y croire, tant la mise en scène la mettait à distance avec ce regard détaché, un peu entomologiste épinglant des insectes, du créateur sur ses créature. Les personnages sont tellement méta qu’ils ne sont plus dedans. Et je suis d’accord, même si j’aime plein d’idées dans ce récit (la scène des sushis, la dent explosive, la quête post-apo…). Le film m’a donné le même feeling que le tout dernier film du même Wes, the Phoenician Scheme, que j’ai oublié de chroniquer ici : un truc malin, plein de belles idées graphiques, mais un peu trop malin et oubliant de se mouiller dans son récit.

Quant à Fantastic Mr Fox, Marguerite l’a trouvé génial, et le film lui a tiré des larmes, et je la rejoints alors que j’avais été plus mitigé la première fois. Par la beauté de ses images et de ses créations, les émotions dégagées (notamment par le personnage de Ash, dont on a découvert qu’il était queer et neuroA et que c’était OK), la manière dont les personnages traversent leurs épreuves, et bien sûr la magnifique scène de la rencontre avec canis lupus. « Il paraît que l’hiver sera rude… »

Je ne vais en tirer aucune analyse sur le travail de ce réalisateur (et des centaines de gens avec qui il a fabriqué ses films, je suis bien convaincu que tout coller derrière un seul nom revient à invisibiliser leur travail. Qu’ils et elles sachent qu’on n’oublie pas leur présence !). Les deux films sont des créations graphiques et thématiques riches et complexes. Je trouve simplement touchant de voir mon regard se modifier en fonction du moment, des circonstances et des gens assis à côté de moi pendant le visionnage.

Peut-être que la présence de Marguerite me ramène à des fondamentaux plus sincères quant à ma perception des histoires. Qu’est-ce que ça me raconte, quels sentiments premier degré est-ce que ça amène ?

Rango est un caméléon qui se vit acteur dans un terrarium posé à l’arrière d’une voiture qui file sur la route au milieu du désert. La voiture freine un coup de trop, le terrarium s’envole, s’écrase sur le bitume et la petite créature animée et élastique s’écrase à côté. Le petit parasol de son cocktail retombe du ciel, lentement, manque de rejoindre le contenu du verre, rebondit sur le rebord, touche le bitume, s’enflamme. Des voitures passent à toute allure.

Fin du court métrage d’ouverture, absurde, étrange, drôle et un peu flippant.

Ensuite Rango va quitter la ligne de la route, rencontrer un vieux plein de sagesse mystique du désert, puis finir par rejoindre une ville de cow boys peuplée d’animaux où il va déployer son goût de l’imposture (Rango est un caméléon qui passe sans cesse pour un autre mais ne change jamais de couleur)

Ce film essaie de jouer sur plusieurs tableaux en même temps. Animaux anthropomorphes, animations comiques, vannes au premier et deuxième degré, « pour les enfants et leur parents ». Mais derrière il y a aussi un film plus méta qui parle de la perte de soi, de l’identité, de quêtes mystiques bizarres, d’angoisses existentielles. Ce film dans le film est plutôt weird et intéressant. J’ai une hypothèse liée à la présence des humains dans le film : ils sont là sur la route, puis disparaissent après (à l’exception de Clint Eastwood) – mon hypothèse est bien sûr que Rango est mort sur la route et que tout se passe dans sa tête, dans les dernières secondes avant l’anéantissement.

Notre époque nous a offert pas mal de métafilms (Everything everywhere… Spiderman into the spiderverse… Tiens, je n’ai parlé d’aucun de ces films ici !). On n’en est pas là avec Rango, mais on louche un peu vers ça et c’est pas mal.

Note encore : le film ne passe pas le test de Bechdel. Johnny Depp joue dedans. Je vous laisse relier, ou pas, ces deux faits.

J’ai déjà parlé de ce film ici. Mais quand nous l’avions vu, Marguerite avait deux ans. Elle en a dix-sept maintenant et je voulais le lui montrer. Le film est toujours super, elle a beaucoup aimé (on était allés voir Belle, ensemble, donc elle connaissait un peu l’univers du réal)

Je ne retire rien du billet précédent (dont j’ai réparé les liens cassés). Quelques pensées pour mémoire :

Le film présente une vision assez heureuse de la vie en ligne. Je pense que Mamoru Hosoda est le seul réal de films à essayer de représenter (visuellement !) ce que c’est que la vie en ligne, dans un aspect global, et de manière plutôt joyeuse, avec des baleines géantes, des avatars rigolos, une collaboration mondiale qui réunit joueurs, parents, enfants et personnes âgées. C’est très touchant et rafraichissant, dans un monde sombre, de voir de telles choses.

Le film présente un monde très genré (Japon tradi). Les femmes à la cuisine, ne semblent pas avoir de métier (sauf la grand-mère, « madame la professeure ») tandis que les hommes travaillent. En même temps (c’est le film qui le dit, et le montre un peu), la famille est assez matriarcale. La grand-mère m’a fait penser très fort à Suzon du Moulin. Enfin, Marguerite m’a fait remarqué le design des personnages, particulièrement des personnages de femmes. Elles sont toutes différentes de corps, de peau, d’attitudes. Ce sont des vraies femmes et pas des fantasmes sur pattes.

Enfin, d’accord, le clan Jinnouchi représente les samouraïs, un clan de seigneurs, et ils ont des valeurs de noblesse de coeur, mais, pour ceux dont on voit la vie professionnelle, ils sont tous au service du public. Médecins, ingénieurs civils, pompiers, secouristes, militaires… Sauf le « méchant » qui est ingenieur IA (si, si) ; les Jinnouchi sont présentés comme opposés à la famille de Kenji, dont le papa est salaryman.

Le film se revoit très bien, ça a été un grand plaisir de passer de nouveau du temps dans cette belle ambiance du premier août à la campagne.

L’histoire commence avec un panneau annonçant que ça se passe au Brésil en 1977 et que c’était une époque troublée. Un type au volant d’une petite coccinelle jaune pétante arrive dans une station service au milieu de rien. Le pompiste, un type au gros vente et aux lunettes de travers, sort de la cabane pour le servir. A quelques mètres de la pompe, un cadavre vieux de plusieurs jours à peine recouvert de papier journal (les chiens errants du coin sont intéressés) : le pompiste explique qu’il n’y est pour rien et que les flics ne sont pas encore passés récupérer le corps, parce que c’est carnaval. Puis des flics arrivent quand même, ils voient le cadavre, ce n’est pas leur affaire. Ils inspectent la voiture du mec en détail et cherchent un moyen de lui soutirer quelques sous.

La scène donne le ton du film. Couleurs vives, police inquiétante, situations bizarres, visages et corps de toutes formes et de toutes couleurs. Le conducteur de l’auto et personnage principal fuit quelque chose (on mettra du temps à savoir quoi), des gens veulent le tuer (on saura pourquoi). On croiser des personnages très beaux et touchants : la vieille femme de la résidence (dona Sebastiana), la dentiste qui se planque, le vieux projectionniste et son épouse… D’autres très effrayants : des flics plus ou moins dégénérés, d’anciens militaires aux mauvaises habitudes… Et d’autres tout simplement singuliers, comme le tailleur juif, le tueur à la casquette rouge, les employés du bureau d’identification judiciaire…

Le film crée une ambiance colorée, joyeuse, incertaine et terrifiante que j’ai beaucoup aimée. J’ai eu l’impression de saisir quelque chose du Brésil (où je ne suis jamais allé), celui du passé et celui d’aujourd’hui. C’est un très beau film.

Ça a été notre film de réveillon, choisi par mes parents. Je n’avais jamais vu de film de Lelouch, dont j’avais l’image d’un type un peu prétentieux, réalisant des films avec un style particulier (romantiques, musique, caméras qui tournent).

Le pitch : lui et elle ont leur gamin dans le même pensionnat en Normandie. Elle manque son train, il la raccompagne à Paris dans sa belle voiture rouge. Ils se plaisent, se découvrent, cherchent à se revoir. Les deux sont veufs (peut-être…). Il est beau (c’est Jean-Louis Trintignant, mais en fait je lui trouve un air méchant, je ne l’aime pas beaucoup — mon appréciation), elle est très belle.

Ce film, palme d’or 1966, est super bien filmé (si, si). Il raconte par l’image plus que par les blablas, il est très sensoriel (bruits de moteur, éclats des vagues de la plage, ambiance de restaurant, de route tard le soir). Les souvenirs sont évoqués par des effets de montage très bien fichus, ça coule tout seul. Il traverse plein d’atmosphères différentes, d’une manière à la fois vive et brillante. Du beau cinéma.

Anouk Aimée incarne l’archétype de « l’actrice française super belle », du genre tu es un jeune intello et tu as une photo d’elle au-dessus de ton lit. Elle a ces grands yeux ourlés de très grands cils, ce regard mystérieux masqué derrière des lunettes de soleil, cette voix un peu profonde et une grande capacité à être amoureuse. (Là, je parle de ce qu’elle projette, pas de ce qu’elle était, je ne la connaissais pas.)

Le film date de l’âge de la voiture. On entend des moteurs tout le temps. JLT est un vrai pilote. Les véhicules grondent, claquent et roulent, vroum, vroum, vroum. La moitié des scènes ont lieu en bagnole. Le mec conduit tout le temps, et notamment quand il ne devrait pas conduire (genre faire monter des gamins avec toi dans une auto après avoir roulé 5 000 km, sérieux ???), et personne ne porte de ceinture. J’ai eu peur tout le temps, pour tout le monde.

Quand ils sont en auto, la deuxième fois, on entend la radio parler de « un homme et une femme » (oui, le titre) qui sont décédés dans un accident de voiture… Ça fait planer sur tout le film l’ombre de la mort, tout le temps, et en fait, d’un point de vue narratif et émotionnel, c’est vraiment pas mal.

Donc voilà, c’est un film iranien fauché, tourné avec comme décor principal une camionnette (ça se voit). Récompensé par la palme d’or et financé par des capitaux français. Et ça va nous dire que le « régime des mollahs », comme dit la presse, ce sont des méchants. Je vous renvoie à la super vidéo de cinéma & politique sur un certain business du cinéma « exotique » (je veux dire: pas européen ni américain).

C’est un film à la fois flippant (on a dit, le régime, ce ne sont pas des gentils), humain, marrant, absurde, très très bien joué (j’ai adoré tous les acteurs et, en particulier, le type à la tête complètement quelconque qui joue le personnage principal). L’histoire m’a tenu en haleine jusqu’à la dernière seconde. 

Alors oui, c’est une charge, c’est frontal, le discours n’est pas très fin, mais l’ennemi, en vrai, non plus. Et si, au moins, on peut en rigoler, ce n’est pas plus mal.

Oui, bien sûr, je l’avais déjà vu, il y a longtemps, mais c’est une douceur particulière que de dire à Marguerite : « tu avais aimé le bon, la brute et le truand, non  ? Assez de temps a passé, ce soir on va regarder un autre film du même type. »

Et après les dix-quinze minutes de la scène d’ouverture, le type avec la goutte qui s’écrase sur son chapeau, la mouche sur la face du truand, le grincement de l’éolienne, le cliquètement du télégraphe et le grondement grondement grondement du train avant que l’homme tenant un sac de voyage apparaisse sur le quai et joue de l’harmonica, elle m’a dit « toutes les scènes seront aussi lentes que celle-là ». J’ai dit « ben non », et en fait, si.

En vérité, on a aimé, elle et moi. Les longs caches poussières qui claquent dans le vent. La musique qui traine ses ritournelles. Les grands yeux de Claudia Cardinale. Le visages burinés en très très gros plan. Les personnages brutaux et mélancoliques.

Quelques remarques qui nous sont venues en en parlant :

– la dynamique des personnages est assez similaire à celle du « bon… ». Il y un gentil pas très gentil (Bronson = Clint), un méchant très méchant (Henry Fonda = Lee Van Cleef) et un type douteux finalement assez sympathique (Cheyenne = Eli Wallach)

– la première moitié du film, quand on ne connaît pas les tenants et les aboutissants de l’histoire, est très flippante. Notamment le moment de l’harmonica dans la nuit devant la maison des McBain.

– Jill est un beau personnage, c’est très chouette de découvrir le récit et la situation à travers son point de vue et sa position, très instable, très fragile. Quel dommage qu’elle ait si peu d’agentivité… Je n’ai pas beaucoup de sympathie pour Leone et Bertolucci là-dessus.

– Les visages d’hommes apparaissent souvent en très gros plan, on en voit toutes les imperfections. Le visage de Claudia Cardinale est toujours impeccablement maquillé et jamais vu de trop près.

– Morton est aussi un bon personnage. Quelle incroyable idée, le type qui se suspend par les mains dans son train !

– Au cinéma, un tiroir ouvert contient toujours un revolver. Ou, au moins, une arme.

– L’homme à l’harmonica est quand même un gros connard alors qu’il pourrait l’être un peu moins. Pourquoi essaie-t-il de violer Jill ? Quel est le sens de cette scène ?

– j’aime le fait que le duel final se passe dans une arrière-cour. Qu’en fait, plus personne n’en a rien à foutre, de l’harmonica, de Frank, de ce qu’ils font. Tout ça passe.

– Mais le pendu… La cloche… Ca donne des frissons.

Bref, super film anyhow.