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Rango est un caméléon qui se vit acteur dans un terrarium posé à l’arrière d’une voiture qui file sur la route au milieu du désert. La voiture freine un coup de trop, le terrarium s’envole, s’écrase sur le bitume et la petite créature animée et élastique s’écrase à côté. Le petit parasol de son cocktail retombe du ciel, lentement, manque de rejoindre le contenu du verre, rebondit sur le rebord, touche le bitume, s’enflamme. Des voitures passent à toute allure.

Fin du court métrage d’ouverture, absurde, étrange, drôle et un peu flippant.

Ensuite Rango va quitter la ligne de la route, rencontrer un vieux plein de sagesse mystique du désert, puis finir par rejoindre une ville de cow boys peuplée d’animaux où il va déployer son goût de l’imposture (Rango est un caméléon qui passe sans cesse pour un autre mais ne change jamais de couleur)

Ce film essaie de jouer sur plusieurs tableaux en même temps. Animaux anthropomorphes, animations comiques, vannes au premier et deuxième degré, « pour les enfants et leur parents ». Mais derrière il y a aussi un film plus méta qui parle de la perte de soi, de l’identité, de quêtes mystiques bizarres, d’angoisses existentielles. Ce film dans le film est plutôt weird et intéressant. J’ai une hypothèse liée à la présence des humains dans le film : ils sont là sur la route, puis disparaissent après (à l’exception de Clint Eastwood) – mon hypothèse est bien sûr que Rango est mort sur la route et que tout se passe dans sa tête, dans les dernières secondes avant l’anéantissement.

Notre époque nous a offert pas mal de métafilms (Everything everywhere… Spiderman into the spiderverse… Tiens, je n’ai parlé d’aucun de ces films ici !). On n’en est pas là avec Rango, mais on louche un peu vers ça et c’est pas mal.

Note encore : le film ne passe pas le test de Bechdel. Johnny Depp joue dedans. Je vous laisse relier, ou pas, ces deux faits.

J’ai déjà parlé de ce film ici. Mais quand nous l’avions vu, Marguerite avait deux ans. Elle en a dix-sept maintenant et je voulais le lui montrer. Le film est toujours super, elle a beaucoup aimé (on était allés voir Belle, ensemble, donc elle connaissait un peu l’univers du réal)

Je ne retire rien du billet précédent (dont j’ai réparé les liens cassés). Quelques pensées pour mémoire :

Le film présente une vision assez heureuse de la vie en ligne. Je pense que Mamoru Hosoda est le seul réal de films à essayer de représenter (visuellement !) ce que c’est que la vie en ligne, dans un aspect global, et de manière plutôt joyeuse, avec des baleines géantes, des avatars rigolos, une collaboration mondiale qui réunit joueurs, parents, enfants et personnes âgées. C’est très touchant et rafraichissant, dans un monde sombre, de voir de telles choses.

Le film présente un monde très genré (Japon tradi). Les femmes à la cuisine, ne semblent pas avoir de métier (sauf la grand-mère, « madame la professeure ») tandis que les hommes travaillent. En même temps (c’est le film qui le dit, et le montre un peu), la famille est assez matriarcale. La grand-mère m’a fait penser très fort à Suzon du Moulin. Enfin, Marguerite m’a fait remarqué le design des personnages, particulièrement des personnages de femmes. Elles sont toutes différentes de corps, de peau, d’attitudes. Ce sont des vraies femmes et pas des fantasmes sur pattes.

Enfin, d’accord, le clan Jinnouchi représente les samouraïs, un clan de seigneurs, et ils ont des valeurs de noblesse de coeur, mais, pour ceux dont on voit la vie professionnelle, ils sont tous au service du public. Médecins, ingénieurs civils, pompiers, secouristes, militaires… Sauf le « méchant » qui est ingenieur IA (si, si) ; les Jinnouchi sont présentés comme opposés à la famille de Kenji, dont le papa est salaryman.

Le film se revoit très bien, ça a été un grand plaisir de passer de nouveau du temps dans cette belle ambiance du premier août à la campagne.

L’histoire commence avec un panneau annonçant que ça se passe au Brésil en 1977 et que c’était une époque troublée. Un type au volant d’une petite coccinelle jaune pétante arrive dans une station service au milieu de rien. Le pompiste, un type au gros vente et aux lunettes de travers, sort de la cabane pour le servir. A quelques mètres de la pompe, un cadavre vieux de plusieurs jours à peine recouvert de papier journal (les chiens errants du coin sont intéressés) : le pompiste explique qu’il n’y est pour rien et que les flics ne sont pas encore passés récupérer le corps, parce que c’est carnaval. Puis des flics arrivent quand même, ils voient le cadavre, ce n’est pas leur affaire. Ils inspectent la voiture du mec en détail et cherchent un moyen de lui soutirer quelques sous.

La scène donne le ton du film. Couleurs vives, police inquiétante, situations bizarres, visages et corps de toutes formes et de toutes couleurs. Le conducteur de l’auto et personnage principal fuit quelque chose (on mettra du temps à savoir quoi), des gens veulent le tuer (on saura pourquoi). On croiser des personnages très beaux et touchants : la vieille femme de la résidence (dona Sebastiana), la dentiste qui se planque, le vieux projectionniste et son épouse… D’autres très effrayants : des flics plus ou moins dégénérés, d’anciens militaires aux mauvaises habitudes… Et d’autres tout simplement singuliers, comme le tailleur juif, le tueur à la casquette rouge, les employés du bureau d’identification judiciaire…

Le film crée une ambiance colorée, joyeuse, incertaine et terrifiante que j’ai beaucoup aimée. J’ai eu l’impression de saisir quelque chose du Brésil (où je ne suis jamais allé), celui du passé et celui d’aujourd’hui. C’est un très beau film.

Ça a été notre film de réveillon, choisi par mes parents. Je n’avais jamais vu de film de Lelouch, dont j’avais l’image d’un type un peu prétentieux, réalisant des films avec un style particulier (romantiques, musique, caméras qui tournent).

Le pitch : lui et elle ont leur gamin dans le même pensionnat en Normandie. Elle manque son train, il la raccompagne à Paris dans sa belle voiture rouge. Ils se plaisent, se découvrent, cherchent à se revoir. Les deux sont veufs (peut-être…). Il est beau (c’est Jean-Louis Trintignant, mais en fait je lui trouve un air méchant, je ne l’aime pas beaucoup — mon appréciation), elle est très belle.

Ce film, palme d’or 1966, est super bien filmé (si, si). Il raconte par l’image plus que par les blablas, il est très sensoriel (bruits de moteur, éclats des vagues de la plage, ambiance de restaurant, de route tard le soir). Les souvenirs sont évoqués par des effets de montage très bien fichus, ça coule tout seul. Il traverse plein d’atmosphères différentes, d’une manière à la fois vive et brillante. Du beau cinéma.

Anouk Aimée incarne l’archétype de « l’actrice française super belle », du genre tu es un jeune intello et tu as une photo d’elle au-dessus de ton lit. Elle a ces grands yeux ourlés de très grands cils, ce regard mystérieux masqué derrière des lunettes de soleil, cette voix un peu profonde et une grande capacité à être amoureuse. (Là, je parle de ce qu’elle projette, pas de ce qu’elle était, je ne la connaissais pas.)

Le film date de l’âge de la voiture. On entend des moteurs tout le temps. JLT est un vrai pilote. Les véhicules grondent, claquent et roulent, vroum, vroum, vroum. La moitié des scènes ont lieu en bagnole. Le mec conduit tout le temps, et notamment quand il ne devrait pas conduire (genre faire monter des gamins avec toi dans une auto après avoir roulé 5 000 km, sérieux ???), et personne ne porte de ceinture. J’ai eu peur tout le temps, pour tout le monde.

Quand ils sont en auto, la deuxième fois, on entend la radio parler de « un homme et une femme » (oui, le titre) qui sont décédés dans un accident de voiture… Ça fait planer sur tout le film l’ombre de la mort, tout le temps, et en fait, d’un point de vue narratif et émotionnel, c’est vraiment pas mal.

Donc voilà, c’est un film iranien fauché, tourné avec comme décor principal une camionnette (ça se voit). Récompensé par la palme d’or et financé par des capitaux français. Et ça va nous dire que le « régime des mollahs », comme dit la presse, ce sont des méchants. Je vous renvoie à la super vidéo de cinéma & politique sur un certain business du cinéma « exotique » (je veux dire: pas européen ni américain).

C’est un film à la fois flippant (on a dit, le régime, ce ne sont pas des gentils), humain, marrant, absurde, très très bien joué (j’ai adoré tous les acteurs et, en particulier, le type à la tête complètement quelconque qui joue le personnage principal). L’histoire m’a tenu en haleine jusqu’à la dernière seconde. 

Alors oui, c’est une charge, c’est frontal, le discours n’est pas très fin, mais l’ennemi, en vrai, non plus. Et si, au moins, on peut en rigoler, ce n’est pas plus mal.

Oui, bien sûr, je l’avais déjà vu, il y a longtemps, mais c’est une douceur particulière que de dire à Marguerite : « tu avais aimé le bon, la brute et le truand, non  ? Assez de temps a passé, ce soir on va regarder un autre film du même type. »

Et après les dix-quinze minutes de la scène d’ouverture, le type avec la goutte qui s’écrase sur son chapeau, la mouche sur la face du truand, le grincement de l’éolienne, le cliquètement du télégraphe et le grondement grondement grondement du train avant que l’homme tenant un sac de voyage apparaisse sur le quai et joue de l’harmonica, elle m’a dit « toutes les scènes seront aussi lentes que celle-là ». J’ai dit « ben non », et en fait, si.

En vérité, on a aimé, elle et moi. Les longs caches poussières qui claquent dans le vent. La musique qui traine ses ritournelles. Les grands yeux de Claudia Cardinale. Le visages burinés en très très gros plan. Les personnages brutaux et mélancoliques.

Quelques remarques qui nous sont venues en en parlant :

– la dynamique des personnages est assez similaire à celle du « bon… ». Il y un gentil pas très gentil (Bronson = Clint), un méchant très méchant (Henry Fonda = Lee Van Cleef) et un type douteux finalement assez sympathique (Cheyenne = Eli Wallach)

– la première moitié du film, quand on ne connaît pas les tenants et les aboutissants de l’histoire, est très flippante. Notamment le moment de l’harmonica dans la nuit devant la maison des McBain.

– Jill est un beau personnage, c’est très chouette de découvrir le récit et la situation à travers son point de vue et sa position, très instable, très fragile. Quel dommage qu’elle ait si peu d’agentivité… Je n’ai pas beaucoup de sympathie pour Leone et Bertolucci là-dessus.

– Les visages d’hommes apparaissent souvent en très gros plan, on en voit toutes les imperfections. Le visage de Claudia Cardinale est toujours impeccablement maquillé et jamais vu de trop près.

– Morton est aussi un bon personnage. Quelle incroyable idée, le type qui se suspend par les mains dans son train !

– Au cinéma, un tiroir ouvert contient toujours un revolver. Ou, au moins, une arme.

– L’homme à l’harmonica est quand même un gros connard alors qu’il pourrait l’être un peu moins. Pourquoi essaie-t-il de violer Jill ? Quel est le sens de cette scène ?

– j’aime le fait que le duel final se passe dans une arrière-cour. Qu’en fait, plus personne n’en a rien à foutre, de l’harmonica, de Frank, de ce qu’ils font. Tout ça passe.

– Mais le pendu… La cloche… Ca donne des frissons.

Bref, super film anyhow.

Hier soir, avec Cecci et Marguerite, nous avons regardé Kingdom of Heaven, de Ridley Scott, qui m’avait laissé une impression mitigée à sa sortie. Alors, oui, Orlando Bloom a une seule expression durant tout le film, et il y un seul perso féminin (enfin, deux, mais le premier est mort avant le début du film), donc ça va être hard de passer le test de Bechdel. Et le héros est trop fort, il sait tout faire, apprendre à se battre en cinq minutes, fabriquer des machines de siège et monter un système d’irrigation dans un pays qu’il vient de découvrir parce que les gens qui habitent là, bêtes, n’en ont jamais eu l’idée.

« Go, and tell Saladin that Jerusalem is coming »

Mais à part ça, on a aussi des costumes superbes, des décors qui ressemblent à des tableaux, des trucs qui flottent dans l’air (cendres, pétales, papiers – Ridley Scott signature), des drapeaux, encore des drapeaux, des armées immenses, des personnages musulmans très beaux, des templiers, et quelques images vraiment puissantes. Avec des drapeaux.

Je me suis laissé prendre dans cette quête mystique pas très causante, avec une musique ample et le passage de l’ombre à la lumière, la découverte du monde par ce jeune homme en quête d’un dieu et d’un sens.

Marguerite dit que ce film a des points communs avec le treizième guerrier : un personnage qui passe d’un monde à l’autre, la rencontre des cultures et un siège désespéré. Et, fun fact, une citation musicale durant la scène de l’adoubement collectif !

Nous avons regardé la director’s cut, conseillée par Sabrina K*, et d’après les revues en ligne elle est bien mieux (réellement) que la version cinéma. Le film m’a paru en tous cas avoir une belle cohérence de rythme et de dramaturgie, qui m’a emporté. Narrativement, j’aime l’idée d’un combat final dans lequel on ne souhaite la victoire d’aucun côté. Et sortir en 2005, en pleine war on terror, un film prônant une vie paisible entre chrétiens et musulmans et montrant de manière positive un chef musulmans portant la barbe, c’était quand même pas mal. 

Et le personnage du roi lépreux… J’aime déjà le film juste à cause de lui.

Hier soir, on a regardé Akira avec Marguerite. Je n’avais pas revu ce film depuis environ mille ans. C’était super beau. L’histoire est à peu près sous contrôle pendant 90 minutes, la fin est un grand trip apocalyptique plein d’images superbes mais qui part en complète sucette. 

Restent l’animation, de toute beauté. La scène de poursuite en moto du début, immense moment.

Quelques réflexions de visionnage 2025 :

J’avais oublié que le film était aussi violent !

La scène du gars qui emmène l’enfant et se fait prendre dans les projecteurs de la police anti-émeutes… Graphiquement, c’est incroyable.

Une grande ville brutale de 2019 aux institutions éducatives déglinguées, aux flics violents, aux troupes anti-manifestation armées de flashball et de lacrymos en immenses quantité, ça me rappelle quelque chose. Les manifs contre la réforme des retraites ?

Je ne m’étais pas rendu compte de combien le style graphique d’Otomo avait d’échos avec celui de Moebius, notamment dans le design des personnages et de leurs fringues.

L’histoire n’est pas très sympa pour ses rares persos féminins. Kaori, victime d’une tentative de viol ? Les motards s’intéressent plutôt, d’abord, à la moto, puis à Tetsuo. De toute façon elle meurt à la fin, absorbée dans Tetsuo, alors qu’elle tente des trucs… Kei est un peu plus favorisée, elle a un look cool, mais elle devient rapidement un véhicule pour Lady Kiyoko, autant pour son agentivité. (et sinon, elle passe son temps à appeler Ryu)

Bizarre que le Colonel (techniquement, un dictateur militaire) soit présenté comme un personnage aussi sympathique.