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J’ai déjà essayé de chroniquer de la musique classique et ce n’est pas facile, parce que je ne suis pas musicien et que parler de la musique avec nos simples mots n’est pas évident. Essayons toutefois car j’ai envie de me souvenir.

Retour à un concert de l’OCL pour écouter le double concerto pour cordes, piano et timbales de Bohuslav Martinu (oui, je sais, on dirait presque un nom inventé de pièce classique chiante) et surtout la symphonie n°9 de Beethoven.

Programmer quelque chose en première partie de la neuvième était assez casse-gueule. Le choix de Martinu se défend bien: cette pièce courte écrite par un Tchèque exilé en Suisse en 1938 est un morceau expressionniste, plein de surprises et d’angoisses, parfois terrifiant, avec une instrumentation surprenante: un double ensemble de cordes, des timbales très présentes et un grand piano utilisé presque seulement comme instrument percussif (ça veut dire qu’on tape dessus pour faire des grands blang pour marquer des temps de la musique).

La neuvième symphonie de Beethoven est une des pièces classiques les plus connues au monde et aussi ma préférée. Je l’ai écoutée enfant au walkman sur une cassette audio avec du souffle dans mon lit avant de dormir (interprétation de Karajan). Ca a été ensuite mon tout premier CD (Harnoncourt, que j’aime beaucoup). Je la connais très bien, cette musique a toujours été là pour moi. Je ne l’avais pas réécoutée depuis plusieurs années.

J’expédie toute de suite les détails du concert: Joshua Weilerstein était très bon, l’OCL précis et en place, comme toujours, le ténor qui lance le O Freunde absolument parfait, le chœur pas tout à fait au niveau mais tenant sa place. Bref, c’était bien.

J’appréhende toujours un peu les concerts de musique classique: on paye cher pour de la musique compliquée qui fait parfois un peu bailler. J’ai tort presque tout le temps. Ici, pour la première fois, je suis entré complètement dans l’oeuvre. J’en ai entendu les surprises et les détails, les merveilles et les tristesses. La neuvième est une réalisation immense, très riche, l’accomplissement d’un artiste au sommet de son art, ce moment où on rassemble tout son savoir, tous les trucs du métier, toute l’inspiration, tout ce qu’on a encore jamais su dire. Elle commence « classique », dans cet équilibre que j’aime chez Beethoven entre la rigueur de la musique d’aristocrates de la fin du XVIIIème et l’expression puissante des sentiments. J’adore les deux premiers mouvements, je pensais ne pas aimer le troisième (qui en fait est très bon, élégiaque) et dans le quatrième le compositeur lâche tout, ose tout, sur la base de l’air le plus simple du monde. L’introduction du thème à la contrebasse dans le silence suspendu de la salle m’a bouleversé. Puis ce sont des crescendos, hymnes de joie, retours au silence, musiques enfantines presque régressive, sautillements, feux de violons, jeux vocaux, jusqu’à la fin.

Une chose que j’ai comprise ce soir: on ne peut pas mettre d’images sur cette musique, je ne peux pas imaginer d’histoire, d’ambiance, de personnages. Ce n’est pas la musique d’une histoire, ce n’est même pas la musique de quelque chose. Elle ne se justifie que par elle-même. Même les mots pour la nommer sont faux. La neuvième, juste un numéro, pour pouvoir en parler.

J’ai lu que Beethoven aimait l’ode à la joie de Schiller depuis son adolescence, qu’il avait déjà tenté plusieurs fois dans sa carrière d’en faire quelque chose avec la musique, jusqu’à ce qu’il arrive à l’intégrer dans ce travail immense auquel l’OCL a bien rendu honneur. La neuvième exprime les mouvements du cœur, depuis l’âge mûr jusqu’à l’enfance, de l’angoisse, la fureur, l’amour, jusqu’à l’espoir et la joie. Elle est une partie de moi.

Et ainsi les artistes se nourrissent de leur propre vie.

Soit Jano, un marionnettiste chilien en tournée au Chili. Soit un flic zélé qui découvre 2 grammes d’herbe dans son sac. Voici Jano en prison, accusé de narcotrafic, au milieu des vrais tueurs. Le voici même jeté dans une cellule du quartier de haute sécurité où tous les types enfermés sont convaincus qu’il est une balance envoyé par la direction pour les espionner.

 

C’est le début de l’histoire (vécue) racontée par Puppet trap, un spectacle pour un marionnettiste (qui anime les marionnettes, sans surprise) et un comédien (qui joue tous les personnages, y compris parfois le marionnettiste). Au delà d’un récit très fort sur l’incarcération et l’intérêt et la difficulté de rester artiste dans les circonstances les plus difficiles (toi ! fais-nous un spectacle !), le dispositif très réduit de la pièce est remarquable. Le jeu de transformations du marionnettiste en marionnettes, la plasticité du jeu d’acteur de Blaise Froidevaux, le montage serré et puissant du récit donnent un excellent spectacle. C’est à la fois horrible et vraiment drôle, comme seules les choses les plus vraies peuvent être drôles.

Un thème un peu absurde (c’est quoi, la question ?) pour un acte un peu absurde également: traverser 24 heures en faisant des lectures à voix haute dans un petit village. Un acte gratuit, inutile, pour la beauté du geste.

On a lu Fatou Diome, Julien Gracq, des contes animaliers, une histoire de poule volante, Douglas Adams…

Il y a eu du slam au caveau. Des bruits du métro. Puis La Boétie. Et des extraits de Stevenson, des chroniques polynésiennes… puis des récits obscurs et douloureux lus dans l’obscurité de La Chapelle Saint Michel. Et le golem, et Christian Bobin (en musique, à la

bougie, dans la tout de l’horloge !), et Céline, et les poèmes de Vinceannet, et Laszlo Krasznahorkai, Nick Hornby, Hélène Merlin-Kajman, et B. Traven et Francis Ponge tout au bout de la nuit. Au petit matin, après un petit déjeuner au coin du feu, on a lu encore : Dostoievski, et Olivier Sillig. Puis Jean-Paul Didierlaurent avant de terminer sur la horde du Contrevent et des contes pour enfants. Il pleuvait ces jours là, mais on était bien.  

 

À l’année prochaine ! 

http://24heures.romainmotier.ch

 

Tous les deux ans, le Clédar, troupe amateur de la vallée de Joux, monte un grand spectacle d’été, usuellement dans un lieu insolite de la vallée horlogère. Cette année, c’est le Grand Hôtel, une bâtisse de luxe 1900 avec une vue splendide sur le lac, maintenant inutilisée, qui accueille les nombreuses représentations du Lysistrata d’Aristophane.

La pièce est une des plus connues du dramaturge antique et l’argument, très amusant, lui a voulu d’être souvent adaptée au XXème siècle: menées par Lysistrata, une rusée grande gueule, les femmes de Grèce décident de faire la grève du sexe pour forcer leurs maris à faire la paix ! (pour un résumé détaillé de l’intrigue, voir par exemple cet article du Temps, bien détaillé).

La troupe du Clédar a fait un travail extraordinaire, proposant une de nos meilleures soirées théâtrales depuis longtemps. Les acteurs sont en place, le texte bourré d’allusions, de blagues et de jeux de mots salaces, les situations montent en puissance, les virilités se tendent, les révolutionnaires bouillonnent, tout le monde frémit et trépigne pour débloquer une situation absurde: la paix comme prix de l’amour.

Lysistrata est une pièce politique, subversive, où les puissants en prennent plein la figure, et les hommes, et les soldats, et les politiciens, et les vieillards. On y parle de c* en permanence et le désir y tend vers l’utopie. Ce n’est pas convenable et c’est follement drôle: d’autant que la mise en scène, bourrée d’idées, ose tout, à le mesure du texte. Ce qui est dit crûment est montré crûment, sans aucun malaise, sans aucune vulgarité, grâce à un magnifique travail sur les costumes, les postures, les attitudes (mais nous ne recommandons pas la pièce pour les moins de seize ans !). J’ai déjà dit dans ces pages que voir un homme nu sur scène est pour moi le point Godwin du théâtre, le point au bout duquel une mise en scène est irrécupérable, et si l’homme est un vieillard, c’est encore pire. Et là, à sa façon, cette pièce prouve que j’avais tort. Ce qu’on voit est très obscène, très transgressif mais surtout libérateur. Le Clédar étant une troupe locale, j’imagine qu’en tant qu’acteur, se montrer dans ces situations à des spectateurs qui nous connaissent peut-être par ailleurs est un geste tout autant courageux que jouissif.

Encore un mot sur la mise en scène: elle est signée Thierry Crozat, des Artpeuteurs, avec une participation musicale (pour le travail sur les chansons) de Chantal Bianchi, des mêmes. Cette pièce et ce travail sont tout à fait dans l’axe du travail de leur compagnie: un théâtre populaire, inventif, de très grande qualité (avec du jeu corporel, des artefacts, de chansons, dans la lignée des meilleures pièces des Artpenteurs). Si on compare à une autre pièce vue l’an dernier, mettant aussi en scène des amateurs, vue dans le cadre d’un théâtre bien plus officiel (et riche !), la comparaison fait mal à la culture officielle.

Et je n’ai encore rien dit du travail de la langue (la façon de parler des Spartiates !), de la scénographie, des décors, de toute la technique, qui sont de très bon niveau. Bref, c’est un travail remarquable et j’aimerais en dire plus et vous en raconter plus, mais je ne le ferai pas, pour ne pas gâcher le plaisir.

Je me suis dépêché d’écrire ce billet car il reste des places et la pièce se joue encore deux semaines. Je ne pense pas qu’elle sera reprise. Alors, si vous pouvez, courrez-y !

Salut
à toi la plus virile de toutes les femmes! C’est le moment d’être
bienveillante et méchante, tendre et teigneuse, tolérante et
intransigeante, bref: expérimentée. A toi de jouer! 

Lors d’un séjour à Londres, nous sommes allés voir notre première comédie musicale. Bien sûr, nous sommes relativement familiers du genre via le cinéma, mais nous n’avions jamais eu l’occasion d’en voir sur scène. C’est chose faite.

Notre choix s’est porté sur Fantastic Mr Fox, parce que nous sortions avec les enfants, qu’elles connaissaient l’histoire et que ça ne se jouait pas très loin du lieu où nous logions. Je me permets de rappeler l’histoire, pour ceux de mes lecteurs qui ne font pas partie des fans de l’immense Roald Dahl : trois gros fermiers picoleurs, sales et vulgaires élèvent des poules et des canards. Mr Fox défie régulièrement leurs défenses et vole chez eux de quoi nourrir sa famille. Mais un jour, les fermiers lui tendent un piège, repèrent sa cachette et attaquent la colline à la pelleteuse. Il n’y a plus qu’une seule solution pour les animaux traqués, « Dig for your life ! », jusqu’à une fin bizarre et heureuse comme seule pouvait la concevoir le Willy Wonka des livres pour enfants.

J’avais bien sûr en tête la très curieuse adaptation de l’histoire par Wes Anderson. On est ici dans une version bien plus fidèle au récit d’origine, malgré quelques créations de personnages et ajouts narratifs amusants. La comédie musicale de ce type est un équivalent pour le spectacle vivant du film hollywoodien pour le cinéma en général. Plein de pognon, des acteurs énergiques qui savent tout faire (jouer, chanter, danser) et des décors énormes et compliqués. Certes, c’est très formaté (narration très codifiée, dialogues avec blagues pour les adultes, personnages de faire-valoir un peu absurdes, etc.), mais quand c’est bien fait, ça donne un spectacle très agréable, ce qui a été le cas pour nous. On a admiré la pêche des acteurs, profité de la musique live sur scène, rigolé aux costumes et aux scènes d’actions burlesques et profité de chansons plutôt bien écrites. Détail rigolo, le spectacle adopte tous les codes du film de casse, ce qui dynamise bien la narration.

Le scénario, bien fait, fait de Fox un trentenaire qui se remet en questions (un peu comme chez Wes Anderson, en moins approfondi), les personnages de sa famille sont très bien posés. Et les adaptateurs se sont créés deux moments de grâce, un dans chaque acte. Dans le premier, la scène du « casse raté » complètement délirante. Et dans le second, la scène dansée et chantée où les fermiers essaient de se transformer en renard, qui emmène le spectacle dans une direction surprenante.

Et le Lyric est une jolie salle, au personnel charmant.

Bref, une belle sortie londonienne.

Je savais que des pièces de théâtre de science-fiction existaient, mais je n’en avais jamais vues. M.O.I., monté par la compagnie Freckles, est une pièce de Sophie Pasquet Racine, auteure dramatique et actrice. 

 

Dans une cave, un abri anti-atomique (?), débarque une femme un peu perdue, qui tombe sur un homme intimidant et menaçant. On est un dans un futur post-cataclysmique, beaucoup sont morts, les eaux montent, le M.O.I a été mis en place pour réguler la vie des survivants.

La pièce prend la forme d’un interrogatoire, celui de la femme qui ne peut se résoudre à repartir, par l’homme qui veut connaître son secret. 

M.O.I. est une pièce à mystères, dont certaines clefs seront livrées. Il y sera question de doubles, d’identité, de sociétés oppressantes, de menaces, d’images, d’écritures. Elle n’est jamais théorique,  jamais allégorique, toujours incarnée. Ce n’est pas de la S.F. pour profs de français « qui veut dire que… » et « qui représente… ». Si on trouvera dans les motifs poétiques de la pièce des échos de situations contemporaines (oppressions policières, migrants noyés, relation aux choses, amours perdues…), les personnages ne représentent avant tout qu’eux-mêmes. 

 

 

 

M.O.I. ressort clairement de la science-fiction, dans le sens où c’est un récit qui ne pourrait pas fonctionner sans son élément science-fictif. De la S.F., elle reprend les principes de déstabilisation, de quête du sens, d’interrogation. Où sommes-nous ? Que s’est-il passé ? Qui sont ces gens ? Nous ne saurons pas tout, mais nous en saurons assez pour les comprendre, et peut-être pour les aimer. Le décalage et le mystère reposent avant tout sur la langue, l’expression des personnages, cette étrange infusion de vocabulaire venu de la danse (du tango) pour dire le destin des hommes. Pourquoi dit-on « danser » pour dire « mourir »? Pourquoi le cataclysme s’appelle-t-il « le Grand Amour »? Pourquoi la femme ne dit-elle jamais « je »?  

 

Les acteurs (Sophie Pasquet Racine et Pierric Tenthorey, tous les deux remarquables), sont soutenus par une mise en scène de plus en plus inventive comme la pièce avance, jouant sur les lumières et les ombres, les transparences et les opacités. Quelques projections très habiles, une séquence complètement folle utilisant du film d’animation, une inclusion de plus en plus forte de la musique construisent l’univers de cette histoire, jusqu’à une scène finale qui m’a bouleversé.

 

J’ai beaucoup aimé. On se place dans la suite d’une science-fiction politique, poétique et créative, dans la lignée d’Antoine Volodine, ou des oeuvres de Léo Henry et Jacques Mucchielli. Je n’aurais pas été surpris d’entendre parler de Yirminadingrad.

La pièce peut être vue à la date de publication de ce billet à Yverdon, puis en mai à Lausanne au théâtre 2.21. Allez-y !

Photos (c) Carole Parodi / Freckles