Nous avons découvert ce classique de François Truffant dans un des lieux mêmes où il fut tourné, au moulin d’Andé cher à notre coeur.
Dans ce film, on trouve deux amis qui s’expriment d’une manière châtiée ce qui n’empêche pas les sentiments profonds, une femme séduisante mais insupportable, une voix off très littéraire au moins aussi importante que les plans filmés, un montage vif, joyeux et inventif, des acteurs formidables et une joie permanente du cinéma.
Avec Cecci et les enfants nous avons vu les Sept samouraï. Les adultes l’avaient déjà vu, Marguerite l’avait découvert en cours de vidéo et n’avait pu en voir la fin.
Dans ce film, on trouve : un village plus vrai que nature, des paysans toujours inquiets, des samouraï aux motivations variées, des distances de classe, un unique personnage féminin, des sabres, des scènes de bagarres épiques mais pas que, une attention aux paysages, aux sons de la nature, des leçons de ruse et de stratégie, Toshiro Mifune qui fait des grimaces. C’est un très grand film, très long et très rythmé.
Alors que je me documentais sur les années quarante et l’occupation (pour une campagne de jeu de rôle dont je parlerai peut-être ici), j’étais complètement passé à côté de ce film, dont je connaissais l’existence mais pas le sujet (en fait, je dois avouer que je connaissais le titre à cause de Woody Allen faisant la queue dans cinéma pour aller le voir avec Annie Hall https://youtu.be/XyOt0jQMO5Q?t=137).
Le documentaire de Marcel Ophüls, tourné à la fin des années 60, parle de l’occupation à travers une collection de témoignages et de bandes d’actualité. Même s’il n’a plus la même force révélatrice qu’à l’époque (la période de Vichy est mieux connue maintenant), le film reste passionnant parce qu’il dévoile des visages, des paroles, des personnes, filmées de manière très proche. Certains ont été des résistants, d’autres des hommes politiques, d’autres enfin ont collaboré d’une façon ou d’une autre. Et le film, s’il montre clairement que beaucoup n’ont pas été héroïques, n’est pas un réquisitoire type « tous pourris ». Il montre que chacun avait ses raisons, que les gens ont fait face, plus ou moins bien, aux circonstances, avec leurs idées, ce qu’ils avaient, ce qu’ils étaient.
Je note la quasi absence des femmes, sauf dans la toute dernière partie avec le témoignage de la coiffeuse. Là, le film souffre d’un vrai manque.
Le film est centré autour de la ville de Clermont Ferrand ; la plupart des témoins y sont reliés d’une façon ou d’une autre. Le montage est remarquable (les témoignages se mettent en lumière les uns les autres). Les gens sont regardés, écoutés sans accusation, et laissent passer quelque chose de l’époque, même si plus de vingt ans ont passé.
Parmi les témoins, pour faire envie à mes lecteurs.
Un capitaine de l’armée allemande, stationné à Clermont pendant la guerre.
Sir Anthony Eden, Earl of Avon, ministère des affaires étrangères de Churchill
Pierre Mendès-France, embarqué sur le Massilia et jugé à Clermont (et évadé !)
Un groupe de paysans résistants
Un colonel de résistants gaulliste devenu vendeur de télévisions
Un pharmacien bourgeois de Clermont
L’interprète français de Hitler (!)
Le gendre de Pierre Laval, qui prend la défense de son parent
L’avocat de Mendès et de certaines victimes de l’épuration
Un vendeur de chaussures clermontois
Un général anglais qui n’aimait pas tant que ça les Français
Un ancien Waffen SS de la division Charlemagne (son témoignage, très honnête et fin, m’a beaucoup touché et aide beaucoup à comprendre l’époque)
Un allemand fait prisonnier à Clermont
Une femme victime de l’épuration…
et beaucoup plus (le film dure 4h30, vous le sentirez pas passer)
J’ai trouvé la fin particulièrement atroce. Durant la dernière heure sont évoquées la situation des juifs et, sans creuser assez, les spécificités bien dégueulasses de l’antisémitisme à la française, et surtout l’épuration et les tortures de la fin de la guerre, en particulier sur les femmes.
Pour reboucler avec l’extrait vidéo plus haut, je conclurai avec l’introduction de l’article du NY Times paru à la sortie du film, qui en parle très bien et dit bien ce qu’est ce film.
TOWARD the middle of the second half of “The Sorrow and The Pity” (Le Chagrin et La Pitié), Marcel Ophuls’ 4½‐hour documentary now at the Beekman Theater, the director interviews Madame Solange, a beautician in Clermont‐Ferrand, a woman who may or may not be younger than she looks, which is the drab but neat 60 of someone who pays no attention whatsoever to chic. During the Nazi occupation, she had minded her own business and had been a Pétainist, but not because she was Catholic or especially political. She was simply fond of the old marshal, the hero of Verdun who, at France’s fall in 1940, had made his country the gift of his person as the Nazi puppet premier.
Shortly after the liberation, Mme. Solange was arrested and tortured, charged with having attempted to betray a Resistance officer by means of an anonymous letter, which had been intercepted before it reached the Nazi authorities. As Mme. Solange talks, the camera studies her in close‐up, but neither her eyes nor her hands, which fold, unfold, then fold again a handkerchief, tell us what we want to know. There are moments when she sounds like Lee Harvey Oswald’s mother talking to Jean Staf ford, hinting of evidence ignored and of conspiracies too complicated ever to ex plain coherently. At other moments, she is the accident al victim of history. It was, Mme. Solange recalls without emotion, a time of letters of denunciation, as if letters of denunciation were a fad or a style, like Empress Eugénie hats, that would (and did) pass away.
Mme. Solange was tried, convicted and sentenced to 15 years at hard labor.
At this point, 31 years after France’s collapse, it is impossible to believe in either Mme. Solange’s innocence or guilt—and this is, for me, the most agonizing effect of Mr. Ophuls’ extraordinary film, which is less concerned with provable guilt or innocence than with the awesome possibilities of human behavior, with the mysterious processes that can as easily produce a hero as a traitor, or some one who would prefer not to become involved at all.
Tiens, puisqu’on en parle en ce moment. On a regardé ce classique pendant le confinement. Donc, Tara, la terre ne ment pas, Rhett Butler vous êtes une vile crapule, Tara, je retournerai à Tara (Atlanta brûle, des femmes en crinoline donnent des gifles).
Je gardais un bon souvenir de cet très très long film et si l’aspect épique du début m’a de nouveau plu, le spectacle de ces bourgeois nouveaux riches vivant dans un luxe obscène de la fin m’a donné la nausée. Oui, la présentation des noirs est raciste et oui, Scarlett est totalement insupportable (d’ailleurs, ni Cecci ni les enfants ne l’ont supportée).
Il y a une forme d’exploit dans ce film, que j’ai apprécié à sa juste mesure, c’est de garder à l’écran pendant trois heures un personnage féminin ambitieux, capricieux, obstiné dans son erreur jusqu’à le payer au prix le plus fort. Ce simple choix scénaristique, de tenir tout ce temps une histoire d’amour en erreur, est suffisamment audacieux pour garder de l’intérêt à ce grand spectacle.
Encore un film français connu que je n’avais jamais vu. Deux heures trente de rivalité amicale de deux plongeurs en apnée, Jacques et Enzo. Je vais commencer par dire tout ce qui m’a gavé : le rôle de potiche des femmes, les scènes de sexe filmées dans le goût des années 80, les clichés très limite sur les Américains, les Italiens ou les Japonais, des trucs qui font partie malheureusement de la signature Besson et qui n’iront pas en s’arrangeant avec l’âge.
Parce que malgré ça, j’ai quand même aimé le film, et en particulier sa première partie. Il créée un univers étrange, presque onirique, autour de ce monde de la plongée. Jean-Marc Barr pose un bonhomme vraiment étrange, presque extra-terrestre (un peu comme le personnage de Christophe Lambert dans Subway, si mes souvenirs sont justes). Le personnage d’Enzo aurait tout pour être un méchant connard et il est bien plus fin que ça, la rivalité amicale des deux est à la fois effrayante et douce. Besson se sert de ce monde (villes de méditerranée, delphinariums, spots de plongée…) pour créer un univers plastique original et fort et de belles images de cinéma. En fait, c’est un vrai film : des images, de la musique, une histoire.
Les enfants ont aimé.
C’était un devoir de classe des enfants (ne me demandez pas plus de détails) : regarder le cinquième élément, en étudier le rythme, la présentation des personnages…
On a passé un bon moment en famille, on a souvent rigolé, et après qu’en reste-t-il ?
J’ai aimé les créations plastiques du film, les Mondo-Shawan, les décors, les armes, les trucs et les machins qui font du bruit et de la lumière. Par moments, le film a l’insolence foutraque et violente des histoires de l’Incal et laisse sentir un univers foufou sans morale.
Mais, même sentiment qu’à la sortie : les montagnes russes sont distrayantes, mais l’histoire ne prend pas, on n’a pas le temps de croire à l’univers, aux personnages, pas envie de s’y attacher. C’est trop frénétique boum boum. Passée la scène d’intro, vraiment bien posée, tout se met à aller de plus en plus vite et ça saoule.
Je trouve que Bruce Willis jouant un soldat buriné n’est pas le bon héros de ce récit, que Leeloo est complètement sous-exploitée, unique personnage féminin d’un récit pas franchement progressiste. A la fin, il ne nous reste rien pour rêver.
Difficile à croire, mais celui-ci je ne l’avais jamais vu.
Nous l’avons regardé dans le cadre de la série années 40, et aussi pour faire découvrir Louis de Funès et Bourvil aux enfants.
Je vais supposer que l’ensemble de mes lecteurs connaissent le sujet de cette grosse farce pour ajouter quelques considérations personnelles.
Je m’attendais à une grosse farce lourde, et oui, c’est une grosse farce mais c’est aussi un film très honnête, qui tient son récit, avec des personnages bien écrits et attachants.
La production est riche, avec de beaux décors façon tour de France des sites insolites, avec des scènes d’action souvent rigolotes.
Et quand on me montre une scène de poursuite avec des nazis en moto et des rebondissements marrants, j’en viens à me demander si la Grande vadrouille n’a pas influencé certains passages d’Indiana Jones… (oui, Oury n’est pas Spielberg pour la maîtrise du rythme et de la bagarre, mais j’ai eu parfois le sentiment que…).
Le film a plein de scènes réussies et de rebondissements rigolos, jusqu’à la poursuite finale que j’ai trouvée très belle.
Bref, ça m’a bien plu.
Les enfants ont trouvé ça « rigolo ». Une de leurs copines en visite a paru ne pas vraiment comprendre ce qu’on trouvait à ce genre d’histoire.
Ce visionnage fait partie d’une série #Années40 où nous avons cherché à voir des films sur la période de l’occupation, ou bien tournés durant la période. (je vais créer une catégorie sur le blog pour regrouper les films/livres vus/lus sur ce sujet).
Le Corbeau est un classique que je n’avais jamais regardé. J’ai été surpris de découvrir que le sens du mot « corbeau » pour désigner un auteur de lettres anonymes vient de ce film.
On a donc une petite ville de province, des lettres anonymes qui engendrent la défiance, des personnages secondaires souvent hauts en couleur : infirmière dévouée, psychiatre délirant, femme fatale boiteuse, gamine indiscrète, instituteur manchot… et le héros, pas très sympathique et arrogant qui va tenter d’aller au bout de cette affaire.
J’ai eu l’impression, lors du twist du twit final que le récit ne tenait pas tout à fait debout, mais ça n’a pas d’importance. Le Corbeau est un film implacable sur la contagion du mal par grand soleil. J’ai eu du plaisir à voir et revoir des têtes connues du cinéma français d’alors, dont Pierre Fresnay (oui, je sais qu’il a collaboré sans doute plus souvent qu’à son tour, mais c’est quand même un acteur formidable).
Malgré sa production par des capitaux allemands, la Corbeau est un très grand film. Ecriture aux millimètre, mise en scène et images impeccables, acteurs au sommet et une angoisse métaphysique.
On a quand même regardé pas mal de films avec les enfants durant ce confinement. Je fais quelques billets de blog pour en garder trace et mémoire.
Celui-ci, conseillé par l’ami Léo de Mittelhausbergen, est un film d’animation (français, je crois), racontant l’aventure arctique d’une jeune russe de bonne naissance à la fin du XIXème siècle.
Quand, comme moi, on a passé de nombreux mois à essayer de raconter l’aventure polaire d’une jeune fille (sujet improbable s’il en est, tant ces explorations ont été des expéditions masculines), on regarde cette histoire avec attention, surtout si, en plus, on s’intéresse en particulier aux expéditions polaires russes.
Le récit de la jeune Sascha, fille de bonne famille et petite fille d’explorateur, entre le Saint Petersbourg de la cour et les pôles, est vraiment très réussi. Les enfants se sont moqués de l’animation très statique des premières minutes, puis elles ont été prises par le récit.
Le dessin devient de plus en plus beau comme l’histoire progresse, avec des couleurs pâles de ciel du nord, des horizons maritimes et glaciaires… Les parties en bateau sont formidables et évoquent magnifiquement la progression polaire, notamment l’aspect sonore du choc contre la glace. Le récit d’apprentissage comporte quelques passages un peu convenus mais les personnages sont bien plantés et j’ai marché à fond, au nord et à travers les glaces !
Une heureuse découverte !
Dans ce film, une famille pauvre plutôt sympathique : un père nonchalant, une mère colérique, le fils timide mais malin et la grande soeur « artiste » et mauvaise tête, vivent dans un entresol d’une grande ville. Parce qu’un de ses bons potes servait de prof d’anglais à la fille d’une famille riche et part à l’étranger, le jeune homme entre dans le quotidien d’une famille de bourgeois installés dans une magnifique maison d’architecte.
Dans cette famille, il y a la maman belle et naïve, le papa riche, influent et cynique, la grande soeur un peu timide, le petit frère « traumatisé » et foufou, et le chauffeur, et la gouvernante livrée avec la maison.
Le film raconte comment les deux familles vont interagir et notamment comment les pauvres vont tenter de faire leur trou dans la grande maison des riches. Ce sujet très lutte des classes est traité d’abord comme une comédie grinçante, qui vire dans le weird et le côté un peu horrifique.
C’est très bien filmé, avec une certaine lenteur, et un sens très fort de l’architecture et de l’espace. Les acteurs rendent chacun leur personnage touchant et intéressant.
J’ai particulièrement aimé la scène diluvienne, lors de l’apex du récit (au milieu), autour des pluies et de l’inondation. La manière dont les émotions, les relations sociales, la ville et la météo se font écho donne un moment de cinéma très puissant.
