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Le clown arrive sur scène, avec un grand balais, une grosse poubelle verte à roulettes et le costume complet de l’homme de ménage. Il faut nettoyer, car le spectacle, c’était hier. Pourquoi y a-t-il encore des gens aujourd’hui dans la salle ?

On s’en doute, le nettoyage de la scène ne va pas aller très vite. Les objets sont contrariants, ils s’opposent à la volonté déjà faible de Peugeot (c’est le nom du clown), qui préfère se faire un café et nous parler un peu du spectacle d’hier, l’histoire de Gilgamesh, roi d’Uruk. C’était super, il dit, vous auriez du voir ça. Il est tellement fort, Gilgamesh, il a tout inventé ! Et il a parcouru le monde à la recherche de l’immortalité !

La grande poutze (c’est un terme suisse romand pour dire nettoyage ou ménage) est un spectacle de clown, très bien pour les enfants, à partir de 8 ans. Peugeot est un personnage souriant, ridicule et doux, maladroit et drôle et gentil.

Toutefois, au bout d’un moment, avec l’arrivée d’un autre personnage sur scène, le spectacle continue d’être drôle mais s’engage sur des chemins surprenants. (Je ne spoile pas).

On quitte alors le burlesque et la naïveté pour parler de sujet plus sérieux et plus sombres, plus personnels, sans jamais abandonner la magie et le plaisir enfantin. On a est secoués, frappés, même effrayés à un certain moment. C’est un jeu de grâce et d’équilibrisme tenu remarquablement par l’auteur et interprète, Olivier Mäusli. 

La grande poutze est un grand spectacle à petits moyens, d’une immense finesse et délicatesse, joué avec une précision et une maîtrise incroyables. Quand il se termine, on a le sentiment d’une grande route parcourue dans le souffle d’un rêve, ou d’un clignement d’yeux. Peugeot rêve, il n’avait pas très envie de bosser, décidément.

Prochaine occasion de le découvrir le 26 avril à Yverdon.

La scène nue de la salle Charles Apotheloz du théâtre de Vidy est bien moche. Une grande boîte profonde, noir et creuse, l’air pas tout à fait propre et un peu hostile.

Certains spectacles la décorent trop peu (par exemple, le récent Quichotte) ce qui donne une atmosphère de pas fini au spectacle. Et quand commence Préparation pour un miracle, on se dit que c’est pareil. Spectacle pas fini ? En fait, non.

Un type entre par la porte du fond, il s’éclaire avec une lampe de poche, il est un peu paumé, il essaie de ressortir et il n’y arrive pas et les autres portes sont fermées. Et la lumière fluctue, il allume une lampe sur pieds, le fil se détache et se rétracte, la lampe s’éteint, il la rebranche, le fil se détache de nouveau, mais cette fois-ci la lampe reste allumée, allez comprendre, ça lui échappe, tant pis, il essaie de sortir par la porte de la salle, elle est coincée aussi, d’autres portes s’ouvrent, mais quand on sort par la porte 1, on débouche sur la porte 2, la salle devient un espace vraiment bizarre qui boucle sur lui-même.

Et ce n’est que le début.

Un téléphone sonne, une radio s’allume, les lumières fluctuent, les interrupteurs sont vaguement illogiques, les objets ont une présence soudaine et bizarre…

Le spectacle nous emmène dans un univers matériel absurde qui fait penser à des jeux vidéo point&click Lucas Arts ou dans une vieille BD de Marc Antoine Matthieu. Le personnage, une sorte de salaryman persévérant, ne dit jamais rien, il est coincé dans ce monde où il va essayer de faire quelque chose. Que valent nos actions ? Que cherchons-nous ? Cela en vaut-il la peine ? Le monde (la scène) est technique et seulement partiellement compréhensible, des fantômes l’habitent, des ombres, des doubles, pas hostiles, mais justes bizarres, bizarres, bizarres. C’est souvent drôle, ironique, et plus encore inquiétant. Mais dans ce décor moche, plein d’objets utilitaires, quelque chose se passe et une forme de beauté finira par naître et vous verrez des merveilles.

Préparation pour un miracle est à la fois du théâtre, du cirque et de la magie. C’est formidable. Vous en tirerez (peut-être) des impressions qui feront écho avec votre expérience du monde.

Si le spectacle passe près de chez vous, allez le voir.

PS : le spectacle est indiqué pour enfants de 8 ans et plus. Il y en avait pas mal dans la salle et beaucoup riaient. Moi, j’ai trouvé l’atmosphère souvent flippante, on aurait dit un spectacle dans un film de David Lynch. Je suis content que ça ne leur ait pas fait peur ni créé de malaise.

PPS : et nous, si on revoit passer un spectacle de Marc Oosterhoff, on ira le voir.

Les frères Lehman étaient des juifs allemands originaires de Bavière, immigrés aux Etats-Unis à partir de 1844. Ils ont commencé par vendre du tissu et des articles de confection en Alabama. Puis ils se sont faits négociateurs en coton, puis en café… puis banquiers pour la reconstruction après la guerre de Sécession, puis banquiers d’affaire pour soutenir le développement du chemin de fer, puis un des premiers acteurs de la bourse de New York, accompagnant le développement des industries naissantes : l’automobile, l’aviation, le cinéma, la télévision…, investisseurs, puis traders…, tout cela jusqu’à la fameuse affaire des subprimes qui causera la chute de cette banque trop grande pour chuter, comme on disait.

Ce sujet a inspiré un livre, un gros bouquin de Stefano Masini. L’auteur à lui-même a adapté le livre en pièce de théâtre, un bon morceau de quatre ou cinq heures de long, une matière à partir de laquelle travailler, dixit.

La pièce que nous avons vu est une adaptation sur un format plus court de cette œuvre étrange qui mêle, histoire personnelle, histoire, économique, histoire, politique, car raconter l’histoire d’une entreprise n’est pas raconter l’histoire d’un personnage, surtout si celle-ci s’étale sur plusieurs siècles.

Thierry Romanens et Andrea Novicov ont créé un spectacle à la fois drôle, rythmé et sensoriel qui essaie de nous faire saisir cet objet bizarre. Bien sûr, il y a des explications, des simplifications… mais surtout des impressions très fortes, pour nous faire capter, par tous les sens, ce qui a été, ce qui est.

Thierry Romanens, qui « joue, et gueule, et chante » est tout au milieu. Jouant à peu près tous les personnages, passant de l’un à l’autre avec un accessoire ou un geste de la main. Faisant récit, scènes et dialogues sans aucune fatigue apparente, pendant près de deux heures. Il est accompagné par un trio jazz-electro et plus encore, format A’3 qui fait pulser l’ensemble, parfois en douceur, parfois en force, et par les créations graphiques live de Dany Peterman : dessins à la craie sur tableau géant, constructions en carton, avions de papier, symboles et image colorées. Le tout compose un objet scénique incroyable, précis, jamais ennuyeux, toujours accueillant, qui s’efforce de raconter l’inracontable.

C’est tout à fait dans l’esprit du TKM (du théâtre ambitieux et généreux dans ce qu’il montre et raconte), et ça fait aimer le spectacle vivant. J’en suis sorti heureux. 

PS : si le fonctionnement d’une banque comme Lehman’s vous intéresse un peu plus en détail, je recommande l’excellente chaîne youtube de Heu?reka

https://www.youtube.com/channel/UC7sXGI8p8PvKosLWagkK9wQ

Le peu que je comprends à ces trucs, c’est grâce à lui.

The Employees est le meilleur spectacle de théâtre que nous ayons vu en 2025. Nous le recommandons !

Pourtant, voici quelques CW qui pourraient vous faire hésiter : vidéo permanente, nudité occasionnelle, « dispositif quadrifrontal », pièce en polonais surtitré, durée 2h45, distribution de bouchons d’oreille (à cause du gros son) et avertissements quant aux effets stroboscopiques. Tous les signes presque caricaturaux du théâtre moderne.

La pièce se déroule dans/autour d’une boîte, une sorte de cube de 36 mètres carrés au centre d’une salle carrée entourée de gradins. La boîte représente un vaisseau spatial dans lequel 6 employés, trois hommes et trois femmes, vivent et travaillent (notamment sur des objets extraterrestres), aidés par 6 humanoïdes, leurs doubles et serviteurs. On a donc 6 acteurs et 12 personnages. La boîte étant en partie transparente, on en voit en partie l’intérieur depuis les gradins, mais surtout on suit l’action à travers au moins deux flux vidéo retransmis en live sur des écrans.

Photos ci-dessous de Natalia Kabanow, du dossier de presse du théâtre de Vidy.

Ambiance entre Alien et Stalker (le film comme le livre), narration laissée en friche, forme très contemplative… Ca été une expérience vraiment forte. Quelques reproches: le fait que, malgré le début, on ne voie pas bosser les personnages. Qu’aucune ligne narrative, même prétexte, ne soit présente (on a l’impression qu’elle a été là, ténue, mais abandonnée en route par la création de la pièce). Les quelques tensions narratives sont assez soap.

Tout ça est un peu ennuyeux, mais pas vraiment gênant, car l’ensemble du truc est fascinant. La construction plastique sur scène, la boîte, le son, la présence des acteurs, les jeux sur le double, sur les présences-absences. La précision des mouvements, le streaming vidéo, monté en live (bravo les porteuses de caméra !), la manière dont la vidéo révèle et ment (on peut comparer ce qu’on y voit et ce que se passe, et ça ne colle pas toujours, créant des effets wow). Je me suis un peu assoupi, par moment, mais la pièce y encourage presque avec ses effets hypnotiques. Et toutes les 40 minutes, un gros son éclate, assorti d’un compte à rebours, pour aller se dégourdir les jambes et faire le tour de la scène.

Je note que Vidy multiplie les propositions de théâtre de SF. Cette création de Łukasz Twarkowski est une expérience puissante.

En matière de création avec vidéo, elle rejoint un peu la pièce la plus dingue à laquelle Cecci et moi ayons assisté, le Acht ungleich eins, de Doris Mirescu, dont je me rends compte que je n’ai jamais parlé ici. Il faudrait corriger ça.

Ce spectacle au titre à rallonge raconte une histoire située dans une classe moyenne anglaise des années 90. Christopher, 15 ans, découvre le chien de sa voisine mort, transpercé par une fourche de jardin, et il décide d’enquêter. Christopher est autiste et vit tout seul avec son papa. Il aime les maths, les ordinateurs, sont rat Toby et fréquente une institution pour handicapés. Il n’aime pas le jaune, le bruit ni qu’on le touche. Son enquête va le lancer de drôles d’aventures.

Le plus faible élément de ce spectacle est le récit qui en sert de base. L’histoire est plutôt intéressante, mais elle tourne un peu à « l’autisme 101, cours pour débutants » et j’aurais aimé que Christopher soit un peu moins cliché et un peu plus que « un garçon autiste », même si le mot n’est jamais prononcé (je crois). 

Ca n’empêche pas le spectacle, lui, d’être très bon, avec une idée de théâtre dingue : avoir neuf acteurs en permanence sur scène, jouant une trentaine de personnages et représentant, par des mouvements de groupe, les états psychologiques internes de Christopher. Le décor, composé de cubes et de murs, est mouvant, très simple et très visuel, constituant toutes sortes de cadres dans lesquels on voit se déployer l’esprit et la vision du protagoniste. La scénographie est bourrée d’idées très fortes, dont ce plafond lumineux (qui permet de jouer à Tetris). Certaines scènes de groupe, celle de la gare ou du métro, permettent de toucher très juste les angoisses de la foule dans lesquelles Christopher se trouve pris et tout le passage du voyage est un grand moment héroïque et épique. J’ai aimé en particulier le moment où le personnage est dans le train où on est émerveillé par ce qu’on voit par la fenêtre (alors qu’il n’y a sur scène ni train, ni fenêtre – c’est pour ça que j’aime tant le théâtre).

La pièce fait salle comble au TKM, à raison : c’est du théâtre narratif d’un très haut niveau, avec des actrices et acteurs très beaux. Mention particulière à Simon Bonvin qui parvient à nous faire croire presque deux heures durant qu’il a quinze ans.

La programmation du TKM nous plaît vraiment beaucoup. 

On est plutôt dans une bonne période, côté spectacle vivant.

Quand, il y a deux ans, le TKM a proposé les fourberies de Scapin, on venait d’en voir une très bonne version à la Comédie française, alors on avait passé notre tour. Heureusement, Omar Porras a la très bonne idée de re-jouer les pièces qui ont marché. Son Scapin date en réalité de 2009, repris en 2022 avec Laurent Natrella dans le rôle titre. C’était donc là la reprise en 2024 du spectacle de 2022, tout ça d’une pièce de vieille de 353 ans. Une mise en scène classique d’un classique.

Donc ça se passe dans un bar, ou une cantina, ou je ne sais quoi. C’est un endroit coloré, criard, avec des espèces de triplettes de Belleville au service. Les personnages sont tous laids et exagérés, bougent comme des marionnettes. Argante est un petit vieux avec une grande cravate et des lunettes années 80, Géronte est une femme permanentée et avide, Hyacinthe porte un appareil dentaire, Léandre est un petit crétin épais qui lit entre sur scène avec un magazine de Q, Octave est une jeune imbécile touchant en pantalon moulant rose, et là vous vous dites : festival de mauvais goût et d’outrance, et c’est vrai.

Et Scapin est un grand échalas aux mains incroyables (dont on se dit qu’elles ont été torturées un jour), un renard à la tignasse rousse, à la fois diabolique et humain, qui aide l’amour et va jouer à nous venger des malheurs du monde.

Une des choses les plus fortes que le théâtre fait pour moi, c’est ce créer des univers sur scène. Faire croire à l’existence de mondes différents (regardez mes dernières chroniques sur Immergés ou Racontars arctiques, par ex.). 

Là où la Comédie française nous avais proposé un Scapin by the book (très bon !), Européen, imprégné de l’histoire européenne ; Porras, lui, crée un Scapin métissé, hybride, mêlant des influences culturelles que je sais pas toutes reconnaître (oui, il y a de la télénovella, du catch, de la magie et combien d’autres choses…). Et pourtant on ne perd pas Molière, oh non.

La pièce révèle ici combien elle est géniale. Jouissance d’intrigues et de théâtre. Irréaliste dans son intrigue improbable, mais profonde dans les sentiments qu’elle crée chez le spectateurs, envie de joie, de rire, de mouvement, d’amour et de violence. Un exutoire. 

Les acteurs sont incroyables, l’univers merveilleux, il y a des milliers d’idées. Des genoux qui craquent, des flingues qui tirent, des toilettes qu’on débouche, Octave qui saute par la fenêtre, Sylvestre qui se brûle sur une casserole, le vieux qui crache de la bouffe en parlant, des mouchoirs qui pleurent, des liasses de billets qui passent de mains en mains, les secours qui arrivent parce « l’acteur jouant Scapin a eu un petit souci en coulisses » et Géronte qui shoote dans la valise de l’autre imbécile.

Bref, ce Scapin rend heureux. Merci à toutes et tous les artistes qui l’ont fait vivre.

En ces temps mauvais, je jette ici quelques mots sur des spectacles merveilleux que nous avons vus ces derniers jours.  

Racontars arctiques par le collectif la ruée vers l’or, venu du Canada, est une adaptation en marionnettes d’une BD adaptée d’un recueil de récits de Jorn Riel, écrivain danois, qui mettent en scène des types qui vivent tout seul dans de petites cabanes au Groenland. Une sociabilité de mecs, de chasseurs, de solitaires. On va découvrir un univers bizarre, avec des animaux, des privations, la crasse et des tas de comportements bizarres. 

Ce spectacle est un des trucs les plus étonnants que j’aie vu, aussi bien matériellement qu’artistiquement. Les trois acteurs sur scène mobilisent leurs corps, leurs visages, des petites cabanes, des marionnettes en mousse, des tous petits personnages… pour faire vivre cet univers de récits. On n’est pas là dans le témoignage mais dans le tall tale, les récits exagérés touchants et drôles de types durs dans un monde dur. Et grâce à la musique improvisée sur scène, aux changements d’échelles, aux idées qui fusent en permanence, ce monde aux personnages drôles, touchant et idiots prend vie et nous inclus et on voit et on rit. La troupe a un talent dingue, des idées dingues.

C’est très beau.

Nous sommes dans une station sous-marine établie voici une génération par un groupe de survivants que les autres appellent les Fondateurs. Une petite communauté de survivants y mène une vie monotone et sourdement angoissée. Parce que, oui, on est après. Après quelque chose qui a englouti les villes et chassé les gens de la surface.

Parmi les gens qu’on apercevra à la cantine ou dans les tréfonds de câbles et de tuyaux de la station, on rencontrera Rodrigue, le jeune cuisinier/barman toujours de bonne humeur, Perséphone, sage et d’humeur égale, qui est membre du Conseil dirigeant la petite communauté (et qui nourrit pour les souvenirs du passé une curiosité avide et secrète), Alain, le vieux, celui qui raconte les histoires d’avant, celle des roses, des balançoires, des arbres…, Espoir, la petite fille, toujours énergique et joyeuse, et Marcus, le tech, qui peste et a peur parce qu’il sait dans quel état, vraiment, est la station.

On va les voir vivre, s’aimer et s’affronter, alors que la menace existentielle se fait de plus en plus lourde, dans cette pièce d’une heure, écrite, dessinée et créée par ses jeunes acteurs. L’hisoire est poignante et oppressante et tient son récit serré.

Les lecteurs de ce blog le savent, j’aime le théâtre et j’aime la SF et j’aime aussi le théâtre de SF, une espèce assez rare. Je me rappelle encore très bien M.O.I, avec Sophie Pasquet Racine et Pierric Tenthorey, https://laurent.kloetzer.fr/2017/05/moi-lechandole.html, ou encore le plus récent Wasted Land, à Vidy, aux images puissantes, mais au dispositif un peu foutraque parce qu’il se moque bien de créer une narration.

Avec Immergés, on a du théâtre d’amateurs, au sens le plus noble. Du théâtre de gens qui aiment le théâtre, qui ont la jeunesse de ne pas tout connaître et donc de n’avoir peur de rien et d’oser tout ce qu’ils et elles veulent (comme la très belle scène d’exploration de la station, ou bien le voyage d’Alain en sous-marin). La pièce est d’une intensité brûlante et violente, certaines scènes m’ont tordu le cœur et fait pleurer. La mise en scène est pleine d’idées, exploitant pleinement l’espace étroit et profond de la Tournelle, pour créer un décor en couches successives. L’affrontement, autour duquel pivote l’histoire, entre Marcus et Rodrigue est déchirant, parce qu’on ne peut s’empêcher d’aimer chacun de ces protagonistes écrasé par des forces plus grandes que toute leur communauté.

Et la pièce, comme toute bonne nouvelle de SF, propose un retournement final et une chute, remarquablement bien amenés, par une belle trouvaille narrative autour d’un walkman du monde d’avant. Le pas de côté et l’élargissement final utilise toutes les ressources de l’image et d’une belle langue inventée pour nous faire reconsidérer et repenser à tout ce que nous avons vu. On termine essoufflé et ému par ce voyage subaquatique.

Une dernière chose : cette pièce n’est pas l’oeuvre d’un ou d’une seule, mais une création collective, à partir d’un ensemble d’improvisations de la troupe, cristallisées en un récit commun, sous la supervision jamais envahissante d’Olivier Mäusli. C’est une histoire sans héros ni héroïnes, une histoire de groupes et de communautés, de destin commun, née d’une énergie collective. Le procédé et le propos se répondent, c’est logique et c’est beau.

Note de conflit d’intérêt : j’ai chroniqué ici une pièce où joue Marguerite. On ne peut bien sûr pas être indifférent à une oeuvre à laquelle participe une de nos enfants. Mais, au-delà de l’émotion personnelle, je crois profondément à l’inérêt et à la beauté de ce travail que je me suis efforcé de traiter avec honnêteté.

Je pense régulièrement que Molière est sur-côté, notamment à côté de Shakespeare.

Puis, des fois, on voit un truc comme ce malade imaginaire, et en fait, non. Molière, quand même.

Donc Argan est malade, au début il est assis sur une drôle de chaise d’hôpital XVIIème qui est aussi son chiotte, il compte son fric, il en a, celui qu’il va donner à ses pharmaciens fournisseurs, et c’est marrant. 

Après il va ignorer le soupirant de sa fille (Cléante), tenter de refiler la gamine à Thomas Diafoirus qui est un débile profond mais tout à fait bien membré et capable d’engendrer des fils (c’est le texte qui le dit), se faire manipuler par sa seconde épouse qui lui donne du « mon fils », équivalent 17ème de « mon gros bébé », se faire faire la leçon par son frère, hurler en méta contre Molière et ses comédiens et lui souhaiter la mort et à la fin, se faire ordonner médecin dans un grand nonsense de danses et de litanies en latin de cuisine, énorme WTF en ballet d’arlequins pour former l’image finale.

Ce qui est beau, dans cette mise en scène de Claude Stratz (vieille de 20 ans, et fun fact, le Claude fut suisse et bossa comme assistant en psycho à Piaget avant de se lancer dans le théâtre, fin de parenthèse), ce qui est beau, donc, c’est qu’on entre dans l’esprit de cet homme. Ca devrait être un con, on devrait le détester, ce sale bourgeois trop bouché, mais en fait on entre dans sa folie et ce, qui est le plus terrible, on la comprend. Parce que la mort rode, tout le temps, dans cette grande maison vide que la scène dessine. Il y a des courants d’air, des rideaux qui se soulèvent, les chiens aboient dans le lointain. Et oui, les jeunes Cléante et Angélique sont bien mignons, et Toinette se démène, et ceux-là vont vivre et s’amuser encore, mais dès qu’il se taise le silence et le froid envahissent tout et moi, dans le silence entre les mots, entre les cris et entre deux passages sur le trône, je comprends l’inquiétude d’Argan.

Il a peur. Il a peur de la mort.

Et c’est pour ça qu’on rit et que la pièce est bien et que Molière, quand même, oui.

Ha oui, en voyant la première scène je me suis rendu compte qu’en fait… on l’avait déjà vue. Il y a plus de vingt ans, lors des premières fois de cette belle mise en scène, avec d’autres acteurs (ou bien les mêmes pour certaisn rôles), avant que ce blog n’existe.